Tonetegning - sammenlægning af relative værdier, forestillingen om at se masser snarere end konturer - gentager nærmere måden, som mennesker ser end linjer. Denne følelsesmæssige måde at skildre verden på er blevet udforsket siden Leonardo; moderne kunstnere har mestret det.
af Ephraim Rubenstein
Det latinske motto "Nulla Dies Sine Linea" eller "Ingen dag uden en linje" er skrevet på seglen fra Art Students League i New York på Manhattan. Ordene kommer fra den ældste Plinius og er en del af hans beretning om den store græske maler Apelses flittighed:”Generelt var det en stående praksis med Apelles aldrig at være så optaget af at udføre dagens forretning, at han ikke udøvede sin kunst ved at tegne en linje, og det eksempel, han satte kom ned som et ordsprog.”Faktisk en lovordelig påbud. Det opfordrer kunstneren til at fortsætte med den daglige praksis med at tegne og at være konstant opmærksom på sit håndværk. Kodet i dette diktum er imidlertid flere antagelser. Den første er, at tegning danner grundlaget for al kunst; og for det andet danner denne linje grundlaget for tegning.
|
|
| Gul rose VI
af Ephraim Rubenstein, 2002, grafitpulver på gult klargjort papir, 22 x 30. Privat samling. |
Sammenslutningen af at tegne grundlæggende med linje er dybt indlejret i de fleste menneskers sind, så meget, at den mest almindelige afvisning af kunstens talent er den trætte,”Jeg kan ikke engang tegne en lige linje.” Hvis du beder nogen om at tegne noget, hans eller hendes tegneideer vil altid være lineære og strengt taget begrænset til en konturtegning. Dette giver mening, da linier egner sig til hurtige beskrivelser af genstande og til hurtig formidling af information om disse objekter. Linjer adskilles og er derfor et fantastisk værktøj til at skabe klarhed. På deres mest rudimentære niveau fungerer de som piktogrammer - som i pindfigurer - eller som en form for hieroglyph. Løftet til det højeste niveau, som i en Ingres- eller Degas-tegning, er linjer udsøgte - storslåede køretøjer til form, bevægelse og rytme.
Men der findes side om side med sproget i linjen tonesproget, et sprog, der ikke er baseret på linjer, men på sammensætningen af relative værdier. Det er en malerisk måde at tegne på, at se i masser snarere end i konturer. I tonetegning trækker øjet sig tilbage fra tingens kanter og ser i stedet pletter med lys og skygge. Mens lineær tegning favoriserer grænser, sigter tonetegning at opløse disse grænser og understrege kvaliteten af lys og atmosfære, der forener alle objekter i det visuelle felt. Det er en følelsesladet, øjeblikkelig måde at se på, tæt knyttet til visionen. Inden for den lange tegningshistorie er det en nyere udvikling, der kommer ud af lineær tegning. Men tonetegning er et sprog, der har en historie og en afstamning, og mange moderne kunstnere synes, at dens karakteristiske stemme er fængslende.
|
|
|
Laura sidder med Hendes arme korset af Wendy Artin, 2002, akvarel, 8 x 10. |
Tonetegning udviklet fra lineær tegning gennem udviklingen af materialer og praksis. Tidligere tegneinstrumenter, såsom metalpoint-stylus og gåse- eller kragehjul, var meget hårde og blev brugt i forbindelse med lige så ubeskyttende overflader som pergament og vellum. Da disse overflader gav plads til spredning af linned og bomulds klud i 1200-tallet, blev brugen af bredere, blødere redskaber mulig.
Denne udvikling var også relateret til ændrede behov og mål for tegning. Tidlige tegninger fungerede primært som forberedelser til malerier og havde derfor klare konturer, der let kunne overføres til træpaneler eller freskerede vægge. De måtte primært fungere som skabeloner, som i freskomartikler. Brugt til dette formål bød tegningerne en reel fordel ved at have klare konturer, der adskilte en form fra en anden. Men efterhånden som størrelsen på freskomalerier voksede, og efterhånden som kludpapir til tegneserier blev mere tilgængeligt, voksede bredere tegne-redskaber som sort kridt i popularitet. Da freskomaleri generelt gav plads for staffeli-maling på linned med olie, kunne kunstnere tegne direkte på lærredet og ændre værket under malerprocessen. Følgelig var der en mindre præmie på faste konturer. Da interessen voksede i synsfeltets udseende, med dets skiftende effekter af lys og atmosfære, blev det mindre vigtigt at understrege konturerne.
|
|
| Undersøgelse for Boy Lincoln
af Eastman Johnson, 1868, trækul, hvid kridt og gouache på papir, 14 x 12¾. Collection Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan. |
Så udbredt som det har været historisk, forbliver konturen en kunstig konstruktion. Vi ser ikke i linjer, uanset hvor vant vi er til at afgrænse genstande med dem. Når jeg ser ud af vinduet og ser kanten af en bygning mod himlen, ser jeg ikke en linje i sig selv. Jeg ser en masse mørk tone sidestillet mod en masse meget lysere tone, og det punkt, hvor de mødes skaber en kant. Dette kantforhold kan beskrives på en forkortet måde med en linje, men det kan også beskrives mere fuldstændigt ved at skabe toneforholdet mellem de to masser, hvis kongruens gør kanten. I tonetegning er der kanter til masser snarere end linjer mellem dem. At erstatte en linje for kanten af et værdiforhold er at erstatte noget, der ikke er der for noget, der er. Derfor virker lineær tegning mere abstrakt og intellektuel. En linje virker intellektuel ikke fordi den mangler følelse - for hvad der kunne være mere følelsesladet end en Leonardo-sølvpunktslinie - men fordi vi faktisk ikke ser i linjer, og derfor skal de dekodes eller fortolkes. Placerede toner, der er så meget tættere på synet, virker meget mere øjeblikkelige.
Udover at være en sublim lineær tegner var Leonardo en vigtig figur i fremkomsten af tonetegning. Han arbejdede i en tid med hidtil uset nysgerrighed omkring det synlige felt og udforskede hvad øjet faktisk så. Denne interesse faldt sammen med og blev til gengæld bedt om spredning af olie-maleri, som gav kunstnerne de tekniske midler til at registrere disse observationer. Der skete et reelt skift i Leonardos æra fra at se objekter som symboler til at tage hensyn til deres materielle virkelighed. Leonardos skrifter er fyldt med observationer om, hvordan genstande vises for øjet, om lys og skygge og de formildende virkninger af atmosfære og afstand. Meget af denne tænkning kom fra hans undersøgelse af optik og luftperspektiv i landskab. Så når han rådgiver kunstnere om maleri fra naturen, skriver han i sin afhandling om maleri som en ren tonalist:”Enden på enhver farve er kun begyndelsen på en anden, og den burde ikke kaldes en linje, for intet interposerer mellem dem, bortset fra opsigelsen af den ene mod den anden, som ikke er noget i sig selv, kan ikke opfattes.”Leonardo kunne til sidst tage de opdagelser, han gjorde i olie-maleri, og anvende dem på tegning. Han fortsætter,”Pas på, at skyggerne og lysene er samlet eller mistet i hinanden uden hårde streger eller linjer; som røg mister sig selv i luften, så skal dine lys og skygger gå fra den ene til den anden uden nogen åbenbar adskillelse.”
|
|
| Min far på 93 år
af Carlos Turbin, 2004, grafitpulver tilberedt papir, 16 x 13½. |
Dette blev i sidste ende en personlig æstetik for Leonardo, en måde at fortolke og præsentere naturen så meget som en måde at se den på. Hans navn er blevet synonymt med den sfumato (smokelike atmosfære), der bader alt i sit arbejde. I hovedet på Jomfruen i tre kvarter, der vender mod højre, læner hendes hoved gunstigt ind i tegningen, hvor hendes mørke låse falder ned som rindende vand. Og når røg mister sig selv i luften, kommer hun ud i vores egen atmosfære, som en skabning fra et sted venligere og mere yndefuld end her. Tonegraderingerne er så delikate, at man fra nærbillede ikke kan se, hvor en skygge slutter, og et lys begynder. I modsætning til de fleste af hans florentinske samtidige, følte Leonardo ikke behovet for at kaste en streg omkring alt, men snarere lod han ting smelte, opløses, dukke op og gifte sig som de gør i det visuelle felt.
Andre veje til tonalisme opstod fra en stigende interesse for at skildre usædvanlige effekter af lys, såsom i nattescener oplyst af brande, stearinlys eller måneskin. Et sådant bemærkelsesværdigt tidligt eksempel er en tegning af Guercino til en af hans fresker i Casino Ludovisi. Siddende kvinde, der læser en bog, er en undersøgelse af den allegoriske natfigur, der besætter en af lunetterne i stueetagen. Hendes rolle som legemliggørelsen af natten og Guercinos deraf følgende interesse i denne specifikke lysforhold provokerede en bevægelse til tonetænkning. Det, der er afgørende her, er ikke så meget figurens position eller hendes proportioner, men hvordan hun er tændt. I denne undersøgelse er effekten af selve lyset blevet genstand for arbejdet, og brugen af lyse og mørke pletter er blevet meget vigtigere end den oprindelige lineære underbygning. Et senere eksempel på det samme fænomen forekommer i Eastman Johnsons magiske undersøgelse af The Boy Lincoln, en trækul og hvid kridttegning, der skildrer Abraham Lincoln som en dreng, læst efter ildens lys.
|
|
| Untitled
af Diego Catalan Amilivia, 2005, grafit, 18½ x 14. Collection Art Students League af New York, New York, New York. |
En anden faktor, der hjalp med at præcipitere en bevægelse mod tonalitet, var spredningen af trækfarver fra Orienten, især introduktionen af kinesiske eller indiske blækstegnestokke i 1600-tallet. Disse blæk kan være ekstremt bærbare og kunne bruges udendørs i landskabsvask-tegning, hvor det er vigtigt at fange flygtige effekter af lys og skygge. Den spirende plein luftlandskapsbevægelse provokerede en mere tonal måde at se på, fordi den er så meget mere baseret på, hvad kunsthistoriker Heinrich Wölfflin kaldte tingens "skiftende sement" i sin bog Principles of Art History (Dover Publications, Mineola, New York). Mens en figur i studiet eller et stillebenobjekt på bordpladen kan kendes på et eller andet niveau, er et træ i tågen eller sollyset, der skinner fra en flods overflade, ikke.
Georges Seurats forbløffende sorte Conté-farvetegnetegninger, udført på hans foretrukne Ingres-papir, brød begrebet tonalitet vidt åbent. Pludselig indså kunstnerne mulighederne for at se kun i form af hinanden placerede pletter med lys og mørke. Aldrig før og sjældent siden har der været sådanne samordnede handlinger med rent syn. Hvis al tegning består af registrering af en kombination af hvad vi ser og hvad vi ved om objekter eller det synlige felt, så foretrak Seurat at se over at kende, i en hidtil uset omfang. Han kiggede ud på naturen, som om han ikke vidste, hvad der var noget, men kun kunne se dens form og tone. Han så verden primært som arrangementer af silhuet og værdi, idet han tog hele det visuelle felt, ikke kun objektet, i betragtning. Hans tegninger er efter kunstner Mark Karnes 'opfattelse “intenst demokratiske. Det er som om han siger, at lys ikke diskriminerer til fordel for den ene eller den anden ting - det er bare der for alle ting hele tiden.”
Seurat var i stand til at skubbe til at se rent mere i værdier, end det nogensinde var blevet skubbet før. Men selv han var ikke dogmatisk om aldrig at bruge linjer, eller tanken om, at lineære tanker ikke kunne spille en vigtig rolle i strukturen af en tonetegning. Faktisk er det ofte spændingen mellem de lineære og tonale elementer, der gør tegningen spændende. Særligt tidligt udnyttede Seurat selv en slags kalligrafisk skribent inden for bestemte tonale områder, der skabte tekstur og energi. Mange kunstnere, såsom Francis Cunningham, bruger en delikat indledende kontur til at etablere de grundlæggende former og deres placering på siden. Men denne oversigt fungerer stort set som et kort, der fortæller ham, hvor han skal placere sine værdier, når han begynder at alliere tone til tone. Fordi Cunninghams tegninger ofte er udsøgt delikate og suggererende, vil en håndfuld værdier være tilstrækkelig til at skabe en hel verden. Resterne af den oprindelige kontur begynder derefter at arbejde som en folie for at vise dig, hvor meget arbejde en håndfuld værdier har udført.
|
|
| Kunstnerens mor
af Georges Seurat, 1882-1883, Conté, 12? x 9½. Samling Metropolitan Museum of Art, New York, New York. |
Edwin Dickinson, en af de største moderne tegnere, bruger også skarpt brug af lejlighedsvise linjer i hans tonetegninger. De fungerer, som med Cunningham, som et indledende kort eller senere i tegningsprocessen som en måde at finde eller ændre et mistet arkitektonisk element på. Man får også en fornemmelse af, at Dickinson sætter lejlighedsvise linjer som visuel tegnsætning - for at fange øjet, føre det et sted, bremse det eller endda stoppe det. Disse lineære tanker er afgørende for spændingen i tegningen, skønt de findes som accenter inden for rammerne af et herligt, blødt tonefelt, der bærer udtrykbyrden i tegningen.
Tonale tegningsprivilegier med at kunne kende - det åbenbare emne,”hvad det er” er mindre vigtigt end”hvordan det ser ud.” Som kunstner og instruktør Charles Hawthorne påpegede, ved alle, at et stykke kul er mørkt og hvide sider i en åben bog er lys. Men man kunne placere det sorte kul i sollys og dyppe den åbne bog i en dyb skygge, og værdiforholdene ville blive vendt. Et objekt kan være så nedsænket i skygge, at vi ikke engang ved, hvad det er. Tonal tegning, på grund af dens vægt på at se, efterlader dig åben for uventningen i den visuelle verden, for det uforudsigelige. Det placerer dig med ryggen midt i en kamp mellem det, du mener er derude, og det, der faktisk er der.
I Francis Cunninghams to gardistudier er draperiet lejligheden snarere end genstanden for tegningen. Cunningham har bagatelliseret den objektive virkelighed af objekterne - stol, draperi, modelstand - selvom de er genkendelige og udgør en vigtig del af stykket. Men arrangementet af genstande, rytmerne, de frembringer, det glødende lys i det ene og den symfoniske fejning af skygge i den anden - det er temaerne på tegningerne. Stykkerne bringer i spidsen for sandheden, at oplevelsen i det væsentlige er abstrakt, at det, vi ser, er lys og skygge, selv når vi genkender genstande i dem.
Dette demokratiske blik på det visuelle felt, så enkelt som det ser ud, er fremmed for de fleste menneskers opfattelse af tegning, som har en tendens til at adskille objekter. Tænk på akademisk figurtegning, hvor figuren fjernes fra sin kontekst ved at isolere den i et tomt felt. Og selvom denne karantæne af det ensomme objekt kan intensivere vores gennemgang af det, kommer vi ofte væk og føler os stærkere om situationens unaturlighed end vi gør om objektets virkelighed. Figurens kontur, så smuk som den måtte være, fungerer som en slags indeslutning, hvor objektet trækkes tilbage fra livets eb og strøm. Tonetegning søger at genindsætte objektet i sin kontekst og se det med hensyn til dets forhold til alt omkring det.
Mark Karnes er en mester i dette aspekt af tonetegning. Du bevæger dig hen over en Karnes-tegning i stedet for at stirre på en ting deri. Alle ting i hans tegninger bestemmes af, hvad der er ved siden af dem. I modsætning til hierarkiet af en akademisk tegning, hvor du bliver bedt om kun at se på en ting og en ting, er det vigtige her forholdet mellem tingene, når de samles. Et vintertræ kan kun kendes i kraft af det mørke tag bag det; den mere massive skygge af en bygning på toppen er helt afhængig af den mere delikate skygge af et træ nedenfor.
Karnes 'arbejde er gennemsyret af at se. I stedet for at tegne et hus eller en bil, tegner Karnes et rum og en type lys, der tilfældigvis har et hus og i dette øjeblik en bil i det. Atmosfæren er så smukt fanget, at vi føler, at vi har været der, selvom vi ikke har gjort det, og billedet udvides i vores sind som en vedvarende hukommelse. Karnes laver også utallige blækvaskundersøgelser af emner, der interesserer ham. Ligesom Claude og Constable finder Karnes blæk et meget øjeblikkeligt materiale. Det forkorter tiden mellem at se emnet og optage det, så han kan reagere på det med en direkte umulighed i noget andet medium. Til dette formål holder han disse studier ekstremt små, så han kan overgive impulsen og ikke behøver at bekymre sig om at kontrollere strukturen i et større værk. Det hele kan læses med et øjeblik på siden.
Meget den samme ting kan siges om Wendy Artins dejlige figurundersøgelser i akvarellvask. Hendes svar på mønstre af lys og skygge, når de rammer og beskriver figuren, er så øjeblikkelig, at vi føler, at vi ser på noget, der virkelig bevæger sig. Hendes modeller danser foran os - først er de der, og så er de ikke. Hun udtrykker deres glød ved at gifte sig med den lette side af figuren med papiret, så formen kan dukke op på skyggesiden med en dybt vask af børsten. Og selvom de lyser med lys og bevæger sig som i en flash, beskrives en troværdig figur nedenunder. Artin mister aldrig strukturen eller kompromitterer betydningen af hendes figurer. Denne kombination af bevægelse og palpabilitet er det, der gør dem så uendeligt sanselige og yndefulde.
Som et maleri kan en stor tonetegning læses 50 meter væk. Reid Thompsons dramatiske stående figur ses silhuet mod lyset, og alt på tegningen konvergerer på den glødende baggrundsbelysning, der fælger kanten af modellens hoved, skulder og bryst. Midtvejs igennem tegningen massede og mørkede Thompson feltet omkring figuren for at fjerne alt uvedkommende. Denne evne til at tilføje elementer, tage dem ud, lysne eller mørkere hele masser og foretage væsentlige ændringer undervejs gør tonetegning yderst tiltalende for malere. Det er meget tæt på maleri med hensyn til proces og er i høj grad en malerisk måde at tænke på.
For at udforske tonetegning er det vigtigt at bruge materialer og metoder, der egner sig til tonetænkning. En silverpoint-pennen eller en hård grafitblyant gør ikke jobbet, da disse instrumenter er dedikeret til at lægge linjer. Men grafit kommer for eksempel i pulverform. Det kan påføres med en stubbe eller chamois i masser uden linjer overhovedet. At arbejde på denne måde føles meget som at male i sort / hvid. I modsætning til trækul, der er tørrere og har en tendens til at flyve væk og sprede, har grafit en lidt olieagtig kvalitet, der klæber, hvor den sættes meget mere præcist. På grund af dette er det i stand til stor delikatesse og detaljer.
