Sondra Freckelton er almindeligt anerkendt for sine velplanlagte, tankevækkende og fagmandige akvareller, hun udvikler ved hjælp af principper, der udvider kunstneriske udtryk; og hun er værdsat for at hjælpe andre med at lære disse principper, mens hun får en konkret forståelse af akvarellemaleri.
af M. Stephen Doherty
|
|
| Hollandsk palet
1998, akvarel, 28 x 27. Saml kunstneren. |
Når New York-kunstneren Sondra Freckelton tager eleverne gennem en række øvelser, der er designet til at hjælpe dem med at forstå, hvordan de kan gøre deres malerier mere dynamiske og indbydende for seerne, er de forbløffet. Og når hun demonstrerer, hvordan man arbejder med gennemsigtig akvarel for at få det maksimale udbytte af mediet, er de overrasket over, hvor logiske og passende hendes metoder er, især hvis de har taget andre workshops, hvor de blev lært at male, men ikke hvorfor. I slutningen af workshopen bemærker studerende ofte, at de har lært, hvordan man komponerer og udfører akvarellemalerier for allerførste gang.
Nogle af de øvelser, som Freckeltons studerende gennemfører, er designet til at hjælpe dem med at forstå, hvordan de vælger og anvender farver, mens andre er rettet mod at få dem til at genkende måder, materialer kan bruges til at formidle grunden til, at de valgte et bestemt emne. For eksempel demonstrerer hun, hvordan man maler et enkelt æble eller blomme ved at lægge toner af de tre primærfarver for at opnå farven på papiret i stedet for at blande farven på paletten. Freckelton forklarer, at fordi dette er et gennemsigtigt medium, kan kunstnere få en rigere farvetone til at male lysende eller levende objekter med opnået farve, hvor alle anvendte farver er tydelige; og senere måske i modsætning hertil ved at blande farverne på paletten til ikke-frigivende motiver, såsom klud eller træ. Studerende gør derefter deres egne forsøg på at lægge gennemsigtig farve over en oval form tegnet på et stykke starkhvidt papir, altid opmærksomme på, hvordan farverne interagerer og bygger mod illusionen af et tredimensionelt objekt.
|
|
| Sommerens slut
1995, akvarel, 39½ x 36. Privat samling. |
Det er en større udfordring at hjælpe eleverne med at forstå, hvordan de kan formidle grundene til, at de har valgt et emne, fordi de fleste akvareller læres at male det, de observerer, ikke at fokusere på de grunde, de var tiltrukket af et emne. I en øvelse beder Freckelton studerende om at udtænke abstrakte former, der formidler stærke følelser som frygt, fred, vrede eller glæde. Når de har valgt et emne, anbefaler hun derefter, at eleverne skriver et postkort til sig selv med en besked, som de ønsker, at en seer af deres maleri skal modtage. Efter at have afsluttet maleriet sammenligner de studerende de to former for kommunikation for at afgøre, om de svarer.
”Begyndende akvareller er nødt til at få sig til at tænke på at vælge et emne, indse, hvorfor de valgte det, og bestemme de vigtigste og mest interessante faktorer; senere bliver denne proces naturlig,”siger Freckelton ved at opsummere sit råd.”At lave kunst er mere end blot at registrere fakta. Maleren skal overdrive vigtige problemer og formindske eller udelade uvæsentlige eller uklare detaljer. Det selektive øje skal udvikles.
”Efter år med kunst, indså jeg, at jo mere økonomisk jeg kunne være, når jeg maler et emne, jo tættere kom jeg på essensen af det,” fortsætter Freckelton.”Jeg forstod også, at jeg ved at overdrive de vigtige træk og minimere faktorer, der ikke forbedrede formen, lyset, rytmen eller bevægelsen, ville understrege det vigtigste koncept, der motiverede mig til at male billedet. På samme tid kunne jeg nå frem til et billede, der havde mere liv.
|
|
| Cornflowers & Zinnias
1979, akvarel, 28½ x 29. Privat samling. |
”Det næste trin er det sværeste, men alligevel mest nyttige,” forklarer kunstneren.”Det trin bruger elementer af komposition til at styrke dine ideer og formidle din vision til et publikum. Der er standardelementer i design - linje, form, lydstyrke, tone - men der er andre spørgsmål, man skal overveje, når man præsenterer et bestemt synspunkt. Disse inkluderer maleriets format (firkantet, vandret, lodret); kunstnerens udsigtspunkt (ovenfor, nedenfor eller endda med emnet); andel af mellemrum og farver; og de figurer, der fører seerne ind i, omkring og ud af det billedlige rum. Dette er de overvejelser, der kan hæve et maleri fra at være en fodgængerdub til et spændende kunstværk.”
Freckelton anbefaler ofte, at kunstnere laver hurtige miniatureskitser af deres tilsigtede malerier, så de kan evaluere nogle af disse kompositionelle overvejelser, før de begynder at male.”Sindet skal begynde at arbejde længe før børsten rammer papiret,” anbefaler hun. Et af de vigtigste overvejelser er placeringen af interessepunktet, og et andet er etablering af et indgangspunkt, hvorfra seeren føres ind i billedet.”Der er en grund til, at den geografiske midten af papiret kaldes 'dødcenter',” kommenterer hun.”Det skyldes, at et maleri, hvor emnet befinder sig på det sted, vil være livløst. Du vil altid have et mere engagerende billede, når interessepunktet er placeret på den ene eller den anden side i overensstemmelse med kunstnerens intentioner.
"Tilsvarende, hvis et billede mangler et indgangspunkt - ofte en diagonal form, der stiger ned fra siden - vil seerne føle, at de er indtrængende på en privat scene snarere end at blive inviteret ind i billedet, " tilføjer Freckelton. "Og hvis der er et indgangssted, skal der også være et udgangspunkt, som regel en diagonal, der fører seeren hen over og ud af billedet."
|
|
| Efterårets ende
1996, akvarel, 37 x 38. Samling kunstneren. |
Freckelton og hendes mand, kunstneren Jack Beal, underholder ofte deres studerende ved at henvise til denne brug af indgangs- og udgangsfly som opfindelsen af en”muslingskomposition.” Med det menes de det rumplan, som seeren går ind i et maleri kan tænkes som en trapezoid, der er hængslet til lignende formede trapezoider i rummet, gennem hvilke de vil forlade. På enkleste vilkår er det som et græsfelt, der møder himlen langs horisonten, hvor marken vises som den nederste halvdel af muslingen, horisonten er hængslet, og himlen er den øverste halvdel af skallen.”Så fjollet som dette kan virke - og vores tidligere studerende sender os rigtige muslinger og malerier af muslinger hele tiden - ved at tænke på en musling minder kunstnerne om at overveje rummet inden for deres malerier,” forklarer Beal.”For mange kunstnere maler en lige visning af genstande, der sidder på en flad hylde, eller de udgør modeller i en smal, stagaktig omgivelse. Resultatet er, at malerierne ikke har nogen dybde, som man kunne forestille sig ved at male de samme motiver fra en anden vinkel eller højde.”
Ud over disse overvejelser bruger Freckelton en miniature-skitse til at bestemme, om objekterne i en stilleben vil strække sig ud over papirets grænser eller være begrænset af dem, hvis elementer i et billede kan fungere som sekundære eller tertiære interessegrupper, hvis figurer og mønstre kan gentages for at give rytmen til kompositionen, og om elementer kan overdrives i skala eller retning for at tilføje forventning og energi til billedet. I mange af hendes stilleben-malerier vil Freckelton for eksempel vippe
et bord fremad, så objekterne, der hviler på det, er klar til at rulle af og ind i skuerens skød; eller hun vil forstørre skalaen til den ene blomstre for at gøre den vigtigere end de andre eller for at styrke illusionen om rum og afstand.
|
|
| Peoner i iriserende skål
2000, akvarel, 23¾ x 30. Samling kunstneren. |
Åbent eller negativt rum er lige så vigtigt for Freckeltons plan som det positive rum. Hun mener formen og værdien af en baggrundsvæg kan være lige så vigtig for succes med et maleri som detaljerne, der er malet i objekterne foran den.”Ligesom et fantastisk stykke musik tilbyder en række høje og bløde lyde, og en fantastisk danseforestilling blander det atletiske med det yndefulde, så et stort maleri skal byde på områder med spænding og hvile. Det er et spørgsmål om forhold - af mønstre, figurer og farver.”
Nogle vandfarver mener, at alt dette forberedende arbejde kvæler kreativitet, fordi det bliver maleri til en proces med at udføre en fastlagt plan snarere end en af at udforske det udviklende billede.”Det er bare det modsatte,” svarer Freckelton.”Planen udvikler sig og ændres, når du ser og opdager flere elementer, der forbedrer dit originale koncept. Når du ved, hvorfor du maler et emne, hvordan du skal komponere et billede og har en generel idé om rækkefølgen af malingsanvendelse, du vil bruge, er du fri for falske starter og frustrerende rettelser og kan derefter svare på den måde malingen kysser papiret. Uden en slags plan vil du kæmpe med alle aspekter af maleriet.”
|
|
| Kugle & kande
1989, akvarel, 54 x 45. Saml kunstneren. |
