Begyndertegning: At Gøre Bedre Linjer, Gøre Linjer Bedre

af Dan Gheno

Line har eksisteret i lang tid. Lige siden den forhistoriske æra, da den første kunstner hentede en klump træaske fra et brugt lejrbål og skitserede en hånd på hulevæggen, har linier beskrevet former for alle typer - menneske, dyr og landskab. På sin egen linje er en meget magtfuld styrke. En linje kan skildre den enkle silhuet af en form såvel som dens mere komplicerede indvendige dimensioner. Når det bruges på ruge, kan det endda simulere værdi. Og når du slutter dig sammen med blødere, udtværede toner kendt som værdimasser, har du en kombineret ustoppelig kraft - undtagen måske af et godt viskelæder.

Siddende kvinde af Egon Schiele, 1918, sort farvet blyant, 18 11/16 x 11 13/16. Samling Ackland Art Museum, University of North Carolina ved Chapel Hill.

Nogle kunstnere vil hævde, at du mest effektivt kan gengive den menneskelige figur eller det abstrakte billede med værdimassering alene, at alt hvad du kan gøre med linje, du kan gøre med lyse og mørke tonaliteter. Det er sandt. Nogle af de mest stemningsfulde tegninger er faktisk baseret på værdi alene. Men i dets kerne er alle fint observerede toneformer bundet af en underforstået "kant" eller konceptuel linje, selvom den kun eksisterer ubevidst i betragtningens sind. Personligt er jeg begejstret over den eksplicitte kombination af linje og masse i mit eget arbejde. Som jeg vil forklare i denne artikel, hvorfor ikke bruge begge dele? Først beskriver jeg, hvordan man bruger linjen alene. Senere viser jeg dig, hvordan du kan smelte sammen til et dynamisk partnerskab.

Peg og linje mod flyet

Linie starter først roligt på siden som en prik. For så løst at låne fra titlen på Wassily Kandinskys bog, Peg og linje til fly, forvandles dette potente mærke eller punkt til en linje og omsider i hænderne på en uddannet kunstner til et volumetrisk plan. Ved at variere linjens tykkelse, mørke og struktur, kan du simulere en bevægelse ind og ud af menneskelige former, især hvis du lader linjer krydse hinanden, grave forbi figurens udvendige kanter, ind i dens indre toppe og dale. Afhængigt af dit emne eller din æstetiske hensigt kan du bruge linjer, der er skarpe som tråd, linjer, der er ru som Brillo, eller linjer, der er så bløde, at de smelter ind i det omgivende papir. Linjer kan spænde fra Egon Schieles ofte umodulerede konturer til det pseudobørsteverk af en Anders Zorn eller Charles Dana Gibson til Dürers kurvagtige, graverende lignende kvalitet. Afhængigt af hvordan du anvender din blyant på papir, kan linjer have et følelsesmæssigt, psykologisk aspekt, og de viser næsten altid en slags visuel, rytmisk egenskab på den måde, de danser rundt på siden.

Foretag imidlertid ikke den almindelige fejl ved at tænke, at linjen ikke er andet end et begrebsmæssigt problem. Gennem tegningsprocessen påvirkes din linjekvalitet dramatisk af dit valg af materialer, papirets tekstur, dine tegneinstrumenter, deres skarphed og den måde, du holder dem i din hånd. For eksempel foretrækker jeg at starte mine figurtegninger med lange, fejende, let lagede streger - en umulig opgave, hvis jeg holder min blyant eller kridt mellem min tommelfinger og pegefinger, som jeg ville gøre, når jeg skriver et brev. (Denne håndposition fungerer pragtfuldt, når man skitserer de endelige detaljer, især hvis den er fastgjort af en mahlstick eller et lille, separat rent stykke papir under din tegnehånd.)

I stedet for, når jeg starter, vender jeg bagsiden af min hånd mod papiret (se fig. 1 til venstre) og holder løst blyanten mod enden af skaftet og klemmes mellem tommelfingeren, håndfladen og pegefingeren. Jeg skifter ofte min håndposition afhængigt af den tilsigtede retning af linjen: Hvis jeg tegner nedad, holder jeg blyanten nedenunder, så tyngdekraften kan styre min hånds nedstigning (Fig. 2); Jeg holder blyanten ovenfra, hvis jeg tegner opad (fig. 3). Begge positioner giver mulighed for større bevægelse af skulder og albue, hvilket lægger mindre vægt på de uklare handlinger i håndleddet og fingrene. Du kan også få en tynd, ren linje, når du tegner i retning af blyantledningen, der kun påvirkes af papirets ujævnhed eller tegneinstrumentets blødhed. Men vær opmærksom på, hvor let du kan variere linjetykkelsen, når du pludselig skifter retninger, f.eks. Fra lodret til vandret (fig. 4). Når man tegner med blyets skaft, i stedet for punktet, bliver den tynde linje pludselig tyk. Når du kortlægger dig vej gennem detaljerne i figuren, vil du finde din linje automatisk svinger med retningen på din hånd og blyant.

Ren linje

Du kan sige meget selv med et minimum af linjer. Når du arbejder fra livet, kan du foreslå en fuldt ud dannet menneskelig figur med en simpel dødvægtslinje bare ved nøje at observere og kortlægge

Twisted Torso af Dan Gheno, 2006, pastel og sanguine farveblyant, 9 x 12. Saml kunstneren.

yderkanter på modellen. Se nøje på dit emne, som Egon Schiele gør i Reclining Nude With Raised Torso, kortlægge de subtile variationer af udvendige former. Hver uheld antyder nogle knogler eller muskler. Du kan helt sikkert fordreje figurens proportioner eller overdrive dens perspektiv, som Schiele gør med hans tegning af kvinden, der trækker sig frem i billedplanet, men prøv at reagere oprigtigt og direkte på de udvendige former. Dine seere vil derefter mærke mængderne inden i, baseret på oplevelsen og instinktuel viden om deres egne kroppe.

Lukning

Du behøver ikke at ombryde dine figurer med en kontinuerlig, stiv, fed skitsering. Du kan skabe en mere dyb følelse af lukning ved at markere kanterne på de mindre menneskelige former med intermitterende linjer, på den måde Cézanne og Degas undertiden gjorde. Når du arbejder på denne måde, kan du tage en minimal tilgang: For eksempel kan du markere roden, basen og næsespidsen, og seeren intuiterer resten af linjen. Men hvis du er interesseret i at simulere form, skal du ikke reducere antallet af linjer for meget. Du skal i det mindste placere et antydning af en linje ved vigtige høje og lave punkter langs omkredsen af et objekt, og hvor en vigtig underform krydser en anden. Tegningen vil se ufuldstændig eller skurrende tom sted, hvis du ikke gør det.

Overlappende linjer

Selvom den udvendige form er vigtig, og som Platon ser ud til at antyde i sin teori om den ideelle form, er essentiel for selve identiteten og anerkendelsen af objektet, er vi til sidst nødt til at rejse ind i figuren med vores linjer. Det er vanskeligt eller umuligt for den begyndende kunstner at gøre dette, når man arbejder ud fra fotos, men mens man arbejder fra livet, vil man se, hvordan former kontinuerligt overlapper hinanden, som når nakken glider over og over skulderen, eller deltoiden løber foran kravebenet og kiler ind i overarmen. Bemærk i min tegning Arm Swinging Back, hvordan jeg varierede tykkelsen og værdien af linjen for at simulere hævelsen af de underliggende former, især i benene. Se også, hvordan jeg har portrætteret overgangen fra venstre kalv til overbenet med de "overskærende" former, som billedhuggere udtrykker det, repræsenteret af overlappende linjer. Bliv dog ikke dogmatisk. Bemærk, hvordan jeg bruger disse teknikker på en kritisk måde. Jeg understregede mørket i linjen langs den nære skulder, så den mere svagt gengivne langt skulder kunne trække sig tilbage. Selvom den tætte albue er tættere på beskueren end skulderen, valgte jeg selektivt at fremhæve de overlappende, benede punkter på albuen i stedet for hele armens fremspringende form for at undgå, at den ser hårdt lukket ud. Jeg følte, at albuerne var lige mørke og skarpe nok til at bringe den foran den tilbagegående hånd.

skravering

Mange kunstnere kan lide at tage en topografisk, klekkerig tilgang til deres linjearbejde, som på Albrecht Dürers tegninger. Du kan lære meget ved at se på værket af denne nordlige renæssancekunstner. I leder af en apostel skal du se, hvordan han væver sin linje rundt om formene ved hjælp af længere, gradvist krumme streger på den blødere, mere afrundede form af det overordnede hoved. I mellemtiden bruger han kortere ruge-streger, skiftevis i retning, for at beskrive de mindre, mere kantede former på rynker og knoglemærker. Se, hvordan han overlapper linjer på en gradueret måde i detaljer; han lægger aldrig rugen på en tic-tac-toe, højre vinklet måde. Normalt fører det ene slag gradvist ind i det andet, og som ved højdepunktet i hvide linjer kan rugen få en næsten spiralformet udseende. I et andet eksempel skal du bemærke, hvordan dybden af Michelangelo's linjer varierer meget og ser ud til at blive mørkere og mere intens, hvor de samles sammen omkring de accenterede ben og hårde muskler, der er på figuren i Study of a Male Nude. Når han er gengivet med pen og blæk, synes hans accenter ikke kun at blive mørkere, men ser også ud til at have et næsten poleret, poleret udseende.

Prøv at bruge lidt tid på at studere eller kopiere gamle graveringer, som det studerende ved Det Franske Akademi skulle gøre i det 18. og 19. århundrede. Det er også nyttigt at studere tegneseriekunstnere som Neal Adams eller Mort Drucker for deres glat sammenflettede krydshatching-metoder. Dette vil tilpasse dit øje til nuance af linje og hjælpe dig med at udvikle en subtilitet og syntaks til din ruge teknik. Men overdriv ikke, og bliv ikke en slave for smarte pyrotekniske linjearbejde. Når du arbejder fra livet, skal du bruge mindst lige så meget tid på at se på modellen, som du gør linierne. Ellers vil din tegning se forenklet og stiliseret ud, indpakket i en sammenviklet masse med pigtråd eller hvad en kunstner og indflydelsesrig kunstteknisk forfatter fra 1800-tallet, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, kaldet "elendige studier" og "det noget absurd tålmodighed hos de individer, der … efterligner nøjagtigt graveringsværktøjet "i stedet for naturen. Ifølge kunsthistorikeren Albert Boime, sutrede lærerne på det franske akademi ofte over deres avancerede studerendes tendens til at tegne på denne måde, uvidende om, at deres tidlige overvægt på mindless kopiering af indgraveringer fremkaldte det kolde og livløse udseende, som akademiet selv kritiseret."

Fusionen af linje og masse

For et kontrapunkt til denne hårde linje tilgang, kig lang tid på Charles Dana Gibsons tegninger,

En første nat af Charles Dana Gibson, blæk.

gengivet i blødere, bredere og løsere sammenflettede streger. Sammen med adskillige kunstnere og illustratører i denne periode på tværs af århundrede forsøgte Gibson at efterligne den flydende, maleriske virkning af værdimassering med linje alene. Selvom mange af hans frit buede og parallelle linjer ser ud til at følge volumen af hans motiver, synes hans mål mindre den taktile fornemmelse af form, som Dürer forfulgte, og mere et forsøg på at vise de optiske effekter af lys på strukturen. Se, hvordan Gibson stemningsfuldt skaber nuancer af lys og mørke ved at variere nærhed og antal klækningslinjer for at indikere værdiforandring. Han påfører en delikat væv af subtile linjer på papiret, når han repræsenterer de blødere former, der ser ud til at være gradvist mørkere, når de vender sig væk fra lyskilden. Han bruger en større mængde hårdere linjer, når han angiver de hårdere former, der skarpt hjørner væk fra lyset og forvandles dramatisk til mørkere skyggemasser.

Det er ikke let at tegne blæk, men det er en fantastisk måde at fremskynde læringsprocessen. Du kan ikke begå fejl med pen-og-blæk, så du lærer hurtigt at observere og vælge dine linjer med omhu. Der er mange værktøjer at vælge til denne tortur; du skal prøve dem alle, indtil du finder den der passer til dig. Gibson-generationen brugte fleksible dip penne og tynde, spidse sabelbørster til at mestre deres elegante tykke og tynde linjer. Van Gogh lavede nogle af sine egne rudimentære, men alligevel effektive kuglepenne af almindelige rør og fjer. I dag har vi også et bredt udvalg af springvandspenner og endda springvandbørster for at tage noget af pine ud af processen. Jeg plejede at tegne med begge i mine tidlige år, men nu finder jeg ud af, at en kuglepen tjener mine formål lige så godt. Nogle moderne mærker af kuglepenne er tilbøjelige til frustrerende splotchy ulykker, men hvis du prøver nok forskellige producenter, vil du opdage et par stykker, der giver en følsom og pålidelig linje. Du finder en kuglepen ganske nyttig, mens du er på farten, når du vil have et flydende, tegnet udseende, eller når du vil indikere en stor værdi masse over siden med en klynge af hurtigt klækkede linjer.

Linjer som masse

Hvis du bunker nok fine, delikat gengivne luge linjer på din tegning, kan du skabe udseendet af en blød, "linøs" toneform, når den ses på afstand. Jeg kan godt lide at kombinere dristige linjer med disse mere delikate lugelinjer. Nogle gange bruger jeg med vilje den parallelforede tekstur på lagt papir for at øge denne effekt, så min blyant kan rejse op og ned med kornets retning, som jeg gjorde i Siddefigur. I nogle tilfælde smudder jeg en lille tone på det strukturerede papir med en stubbe, så kontrasten mellem papirets rygge og tagrender ikke er for skurrende. I de fleste tilfælde prøver jeg at finde en sammensmeltning af linje med tone og sigter mod en gradvis overgang af linework til ren værdi masse. Jo mere jeg bevæger mig ind i disse blødblandet passager, jo længere tilbage griber jeg blyanten på kabinettet. Jeg finder det lettere at kontrollere trykket på min linje med min hånd i denne hævede position, så jeg kan stryge i en bredere og bredere buebevægelse. I disse øjeblikke holder jeg blyanten så forsigtigt, at den ofte falder fra min hånd.

Det kræver en hel del praksis at manipulere linje til toneværdimasse. Hvis du lige er startet, skal du øve din linjekvalitet så meget som muligt. Selv når du ser tv, kan du trække en pude ud og tegne linjer gentagne gange i små firkantede farveprøver, teste forskellige håndstillinger og variere trykket. Prøv at øve dig på at blande dine linjer. Kør forsigtigt linjer parallelt med hinanden, lag dem tættere og tættere, indtil de næsten ser ud til at forsvinde. Prøv derefter at tegne linjer i den modsatte retning på denne samme farveprøve for at få endnu mere tilføjet subtilitet og blanding af linjen i masse. Hvis du er en avanceret kunstner, anbefales det, at du holder et ekstra stykke papir ved hånden, når du tegner, så du kan teste dit håndtryk eller øve en kompliceret tone, før du lægger det på din færdige tegning.

Vådt medie

Blæk-og-vask-metoden er et andet effektivt værktøj i vores søgen efter at forbinde linje og masse, og på grund af dets tekniske lighed med vandfarvemediet fungerer den endda som en nyttig bro mellem de kunstige kategorier af tegning og maling. Observer, hvordan både Giambattista Tiepolo med Den hellige familie og Jean-Baptiste Greuze med kvinde, der omfavner en liggende gammel mand, løber løst værdi vasker på tværs af deres kompositioner og slutter deres figurer til større, malerisk abstraherede værdimasser. Bemærk også, hvordan de hårdere linjer sommetider smelter ind i den våde vask og bliver til blødere, blandede accenter. Prøv dette i dit eget arbejde ved hjælp af vandopløseligt blæk. Ofte behøver du ikke engang at bruge en ledsagende vask - du kan bruge en børste fyldt med vand til at trække noget blæk ud af linjen og skabe et overliggende værdimønster.

Soda-springvand af Isabel Bishop, ca. 1954 blækvask, 7 1/8 x 6.

Masse kan undertiden så dominere et billede, at linjen kan virke som et supplement til sin partner, der tjener til at fremhæve de dybeste darks eller de lyseste lys eller blot indeholde yderkanterne steder. Selv når jeg bruges sparsomt, som jeg prøver at gøre i de fleste af mine tegninger (se Twisted Torso), er linje stadig uundværlig for mit arbejde. Men husk, at en lille linje går langt. På denne hurtige, fem minutters skitse begrænsede jeg det meste af mit linjearbejde til de perifere former, overlappende og varierede deres vægt for at forstærke det indre, sammenkoblede former. Jeg forsøgte ikke at forstyrre strømmen af værdieregleringer inden i, men steder tilføjede jeg et par streger for at fremhæve nogle af de skarpe benpunkter og områder med dyb lettelse, hvor handling hærder musklerne. Jeg trak mig tilbage fra tonemassering ved overkroppen af overkroppen og regnede med de resterende ensomme linjer for at lette figuren i det bløde papir.

Linjens og massens magt slutter ikke med den skulpturelle repræsentation og de naturlige effekter af lys på den menneskelige form. De kan tjene en designfunktion som i det forrige eksempel eller som i Charles LeBrun-tegningen, hvor linie og masse rytmisk falmer ind og ud af den tomme side. Værdimasse og linje bliver næsten en abstrakt enhed i nogle af Isabel Bishop's blækvask-tegninger. Det er svært at se, hvor formen slutter, og kalligrafi begynder i hendes Soda-springvand. Hun brugte også dristige hybridlinie- og formmærker i mange af hendes malerier, som nogle gange overlappede dem på en adskilt måde, der forstærker det væsentlige fladhed og formelle potentiale på lærredet eller papiret. Vi bør heller ikke helt ignorere de andre konceptuelle aktiver i disse kontraststrøg. Bemærk, hvordan Fragonard udnytter både deres følelsesmæssige og udtryksfulde evner i The Pacha. Han er kendt for sin rubenesk brug af farve og animeret penselværk og nærmede sig tegningen med lige entusiasme, hvor han hurtigt trak en pensel hen over sit teksturpapir i et lidenskabeligt, desperat manuskript, og der fyldte siden med et næsten moderne, gentagende mønster af grove mærker.

Brug af linje i maleri

Brugen af linje er ikke begrænset til papir og tegning. Selv mange masse-centrerede kunstnere bruger linje til at starte deres malerier. Jeg begynder ofte mine lærreder med en vag trækulskitse.

Flerfarvet figur af Dan Gheno, 1996, farvet blyant, 18 x 24. Saml kunstneren.

Derefter bekræfter jeg og bygger på mine oprindelige trækullinjer med maling, som regel en blå eller permanent alizarin crimson. Jeg fortynder malingen med en masse opløsningsmiddel, så farven flyder frit, som blæk. Takket være den tunge andel opløsningsmiddel tørrer de malede linjer hurtigt, normalt inden for fem til 20 minutter. Dette giver mig en masse frihed, hvilket gør det muligt for mig at bevæge mig ind i maleriet med det samme. Hvis jeg tror, jeg har mistet kontrollen over tegningen, kan jeg skrabe nogle af de øverste lag for at hente den originale tegning nedenfor. Men pas på, når du bruger denne tilgang. Oljemaling bliver gennemsigtig med tiden, og du skal undgå at tegne med en ekstremt mørk linje, især hvis du maler i tynde lag.

Jeg bruger undertiden linjer til at tegne et maleri, der er i gang, og skifter til en ny farve, hver gang jeg foretager en revision, så jeg kan sammenligne mine ændringer med den forrige inkarnation. Jeg gør det sporadisk i mit tegnede arbejde, såsom flerfarvet figur, bare for sjovt - det synes jeg også er meget interessant at dokumentere opdagelsesstien med hver beslutning eller justering optaget af en anden farve. Selv når jeg trækker ind på min normale, monokromatiske måde, sletter jeg aldrig mine "fejl", før jeg har skablet en mulig løsning. Det er lettere at foretage en revision i begge medier, når du kan se, hvor du har været. På den måde foretager du ikke den samme fejl to gange (eller tre gange).

Der er mange malere, der bruger en omfattende linie i hele deres arbejde. Van Gogh er sandsynligvis det mest indlysende eksempel. Han brugte et meget kalligrafisk rugeindslag i mange af sine malerier, mens ironisk nok i mange af hans tegninger emulerede han ofte de strukturelle aspekter af børstestræk. Som mange andre malere bruger jeg ofte linjer som et udtryksfuldt afsætningsmarked eller som en måde at antyde former, der overlapper lige som jeg gør på mine tegninger. Selv en masseorienteret kunstner som John Singer Sargent brugte en kraftig brug af konturer i meget af hans vægmaleri. Mange veggmalerister på den tid, inklusive Kenyon Cox og for nylig Dean Cornwell, brugte linje for at gøre billedsprogene mere genkendelige fra afstand, og sammen med Georges Rouault i sit staffeliearbejde anvendte de ofte forskellige konturer i en tilstrækkelig emulering af blylinjer, der understøtter farvede glasvinduer. På nogle måder kan du endda sige, at disse mørke streger tjener mere en farve end en tegneende; de forstærker og forbedrer nuancer inden i. Prøv at forestille dig Hans Hoffmann-selvportræt uden linjerne. Det ville ikke fungere.

En abstrakt kunstner som Hoffmann var ikke bange for linjer eller tegning generelt. Nogle af hans lære drejede sig faktisk om at tegne fra modellen. Desværre decrydes mange kunstnere og kritikere i dag fusionen af linje og masse, og de argumenterer stemmeligt mod at forurene renhedsgraden af maleriimpulsen med trække bekymringer. Dette minder mig om en anden uheldig tid i kunsthistorien, da poussinisterne, partisanerne i tegning og tilbageholdenhed og rubenisterne, soldater af farve og følelser, var i hinandens hals. Hver af dem var fast i sin opfattelse. Faktisk begik en populær lærer og kunstner af den nyklassisistiske bevægelse, Baron Antoine-Jean Gros, selvmord, fordi han ikke var villig til at ofre sin følelsesmæssige rubenistiske side for at ære sin protektor og kunstneriske far, Jacques-Louis David, en ivrig poussinist.

I dag kan de fleste mennesker sætte pris på begge disse lejre og se deres eventuelle fusion i den traditionelle kunst fra det sene 19. og 20. århundrede. Tænk på, hvor meget potentiale der blev mistet ved disse kunstkrig. Livet er for kort til at blive afskrækket af en anden kunstners diktum. Brug linjer, når det tjener dine visuelle formål, og brug værdimasser, når de er passende. Lad en anden bekymre sig om de påståede æstetiske regler. Dit job er at tegne. Hvis du holder dig til det, vil du være lige så ustoppelig som holdet med linje og masse.