Denne kunstner i Californien forfølger en aggressiv tilgang til ikke-fanger til plein luftmaleri.
af John A. Parks
|
|
| Dos Roses
2006, olie, 12 x 9. Courtesy Red Piano Art Gallery, Hilton Head Island, South Carolina. |
Ken Auster bruger masser af tyk maling og lægger den på hurtige, byggende saftige lag med et dybt touch for at opnå kraftige illusioner og rige overflader. Hans nylige arbejde dækker en lang række emner, herunder bybilleder, restaurantinteriører, strandscener, landskaber og stilleben.”Hvis det bevæger sig, maler jeg det,” quips kunstneren.”Jeg kan godt lide at sige, at jeg har en kort opmærksomhedsspænd. I det øjeblik jeg begynder at føle, at jeg mister interessen, kigger jeg efter noget andet at male.”Hvis han ikke maler udenfor, søger Auster sit emne fra en af de plastikposer, der er fyldt med lysbilleder, der ligger omkring hans studie.”Jeg laver aldrig et maleri af et sted, som jeg ikke har besøgt,” siger han.”Normalt, hvis jeg går ud og maler en scene, tager jeg også fotos og laver nogle ekstra skitser, så jeg har mere emne at arbejde bagfra i studiet.” Auster udvikler aldrig et større maleri strengt ud fra en skitse.”Jeg tror, du mister kanten af spontanitet, når du gør det,” siger han.”Du mister den følelse af eventyr og søgning, som du får, når du først konfronterer en scene.” At have hans lysbilleder gemt på en helt uorganiseret måde betyder, at kunstneren aldrig ved, hvilke billeder han vil komme med, når han dykker ind i sin samling - noget, han føler føjer til den generelle spænding i hans dag. Og spændingen er, hvad denne kunstner lever af. I selve malerierne fejres den rene glæde ved opdagelsen og den øjeblikkelige reaktion igen og igen i strålende, strejfende børstearbejde, der antyder, at han kan lide at tage risikoen. Farver trækkes hen over hinanden, og figurer trækkes og skubbes, så billedet ser ud til at komme ud fra en eksplosiv børstestorm. Det ser ud til at maleri er Auster's anden natur. Så det er en overraskelse at opdage, hvor lang tid det tog ham at optage kunsten.
|
”Da jeg kom ud af kunstskolen i slutningen af 1960'erne, blev jeg involveret i silketryk,” siger kunstneren.”I disse dage havde ingen nogensinde virkelig gjort meget med silke-screenede T-shirts, og jeg begyndte at lave dem til surfmængden.” Auster var, og er stadig, en engageret californisk surfer. Hans silkeskærmsvirksomhed voksede hurtigt, og snart designede han skjorter og billeder til større surfbrætfirmaer, surfingsteder og andre surfrelaterede virksomheder.
Selv om virksomheden var meget kommerciel, mener Auster, at oplevelsen lærte ham meget om kunst.”I de første år,” siger han,”kunne du ikke gøre meget med silkeskærm på en T-shirt - du ville være begrænset til en eller to farver. Så udfordringen var at få dem til at gøre så meget som muligt.”Kunstneren opdagede, hvordan man manipulerer farveoverlejringer for at gøre billeder rigere. Han begyndte også at introducere modulerede områder ved at blande farven med en sug, så der skete en farveændring over et givet område, da det blev udskrevet.”Jeg har handlet i Japan,” siger han,”og blev interesseret i den måde, japansk træbloktryk brugte begrænsede farver for at opnå så meget i vejen for illusion.”
|
|
| Bro det
2006, olie, 40 x 40. Saml kunstneren. |
Til sidst begyndte Auster at lave kunsttryk af en mere kompliceret art, stadig med fokus på surfingbilleder.”Silkeskærm er meget begrænsende på en måde,” siger kunstneren,”og jeg fandt, at jeg ville leve i de øjeblikke, hvor der bare skete noget usædvanligt, når registreringen bare var lidt anderledes, og en lille ulykke ville tilføje noget til tryk.”Ikke tilfreds med den krævende teknik med silkeskærm begyndte kunstneren at lave collager.”Jeg ville bare have silkeskærmfarveområder, lagde farven på alle slags underlige måder, og så rev jeg papiret op.” Arbejdende med revne kanter og farve, der blev opgraderet på forskellige måder, begyndte Auster at konstruere collager landskaber.”Jeg kunne ikke tro, hvor stærkt et billede jeg kunne få på den måde,” siger kunstneren.”Det lærte mig virkelig at tænke på at opbygge et billede ved at massere figurer og relatere værdier i stedet for at bekymre mig om linje og kontur. Jeg var nødt til at foretage justeringer ved blot at flytte figurer og opbygge dem sammen. I eftertid var det en god træning til at male, kun på det tidspunkt, jeg ikke vidste det.”
Fire eller fem år efter at han begyndte at arbejde i collage, tog Auster maleri op.”Jeg havde altid dybt med at male lidt, og derefter en dag gik jeg ud for at lave noget landskabsmaleri med en gruppe venner,” husker han.”Alle så ud til at have det lidt vanskeligt, men jeg fandt, at tingene gik godt. Det virkede enkelt for mig. Jeg tog på farven og flyttede den omkring den slags, som jeg gjorde med collage. Da vi kun havde et par timer, kunne jeg ikke rod med det for meget. Alle var imponeret over, hvad jeg gjorde, og da jeg kom hjem og kiggede på det, var jeg begejstret. Jeg gætte på, at du kunne sige, at tilfældet favoriserer det forberedte sind.”
|
|
| Merrie Old Souls
2006, olie, 36 x 48. Høflighed Thomas Reynolds Gallery, San Francisco, Californien. |
Kunstneren har aldrig set sig tilbage. Han begyndte snart at vinde konkurrencer og sikrede hurtigt galleri-repræsentation og solgte en række shows. I dag driver han sit eget galleri og driver også plein air-malerworkshops flere gange om året, med deltagelse af mennesker fra hele verden. Auster, en energisk taler, nyder helt klart denne del af sit liv.
Auster mener også, at Plein Air-bevægelsen har været meget sund for kunstnere på en række forskellige måder.”Det er givet et socialt miljø til mange kunstnere,” siger han.”Det er noget, som malere kan nyde sammen, som en gruppe. Og det er bragt meget flere samlere ind. Folk får det med det samme - de forstår, hvad du laver, og de kan blive involveret i at se på billederne på en meget direkte måde.”
Uanset om han arbejder udendørs eller i studiet, bruger Auster en teknik, der forbliver mere eller mindre den samme.”I studiet bruger jeg maling fra quart-krukker og gallon-krukker til det hvide,” siger han.”Når jeg er ude i marken, bruger jeg bare de store rør.” Kunstneren favoriserer et mærke maling kaldet Classic Art Oils, som er lavet af et lille firma i San Francisco-området. Auster bruger ikke en undermaling, men begynder blot at arbejde med en”stor, vred børste.” Hans lærred er bomuldsand, grundet med akryl-gesso, over hvilket han maler et lag udendørs latex-husmaling.”Det gør overfladen mindre absorberende,” siger han,”så malingen bare sidder på toppen og ser sødelig ud.”
|
|
| Ryst det op Baby
2001, olie, 11 x 14. Høflighed Howard Mandville Gallery, Kirkland, Washington. |
Når han går i gang med et maleri, er Auster meget bevidst om at lede efter et klart abstrakt design i sit emne, og det er dette, han maler først.”Jeg siger til mine studerende, at under ethvert stort maleri er et stort abstrakt maleri,” siger han.”Jeg leder efter en dristig, klar struktur.” Generelt vil kunstneren have hele lærredet dækket inden for en halv time.”Malingen er temmelig tyk, selv på dette tidspunkt,” siger han,”selvom jeg har en tendens til at holde barkerne lidt tyndere end lysene.” Auster vil derefter begynde at arbejde tilbage på toppen af billedet, trække og skubbe malingen ind i tykke, våde lag.”Jeg tilføjer aldrig noget til malingen,” siger han.”Nogle gange blander jeg farver med en paletkniv, men ofte dypper jeg mine børster lige i glassene og blander det bare på lærredet.” At beholde malingen, når den kommer ud af røret eller krukken i stedet for at tilføje et medium, betyder, at kunstneren ved altid, hvilken konsistens han har at gøre med - viden, som han finder hjælper med sin meget fysiske tilgang.”Det er vigtigt at holde antallet af variabler nede,” siger kunstneren,”så du kan koncentrere dig om de vigtige ting. Hvis jeg kender min maling og kender mine børster, er alt hvad jeg skal bekymre mig om, er mig.”
Auster fortsætter med at bygge maleriet våd-i-våd, indtil billedet er færdigt, og ofte engagerer sig i spektakulære manipulationer.”Et maleri er lavet, når det gør det, som jeg ville have det,” siger han. Kunstneren indrømmer, at han er meget interesseret i, hvordan malerier kan se ud til kun at være malestrøg på en afstand og derefter påtage sig magtfulde illusoriske egenskaber fra bare lidt længere væk.”Jeg elsker det frem og tilbage mellem maling og billede,” siger han. Hvad angår studieøvelse, indrømmer Auster, at han ikke har meget til at organisere eller rydde op.”Oprydning er bare ikke i mit ordforråd,” siger han.”Jeg vasker aldrig mine børster - jeg får dem bare til at sidde natten over i en skål med terpentin og derefter begynder jeg med dem næste dag. Mit atelier er dækket af maling.”Kunstneren bruger ark med vokspapir til paletter, simpelthen kasseres dem, når de er oversvømmet i for meget maling og starter forfra.”Nogle kunstnere vil fortælle dig, at du er nødt til at passe på alting og være organiseret og så videre,” siger han. Men mig? Jeg tager hætten af et rør maling og glemmer det bare - det er allerede tabt.”
|
|
| California Dreamin '
2006, olie, 76 x 56. Saml kunstneren. |
Auster mener, at hans år som silketrykskunstner hjalp hans følelse af design og hans forståelse af farve, men han mener, at maleri er en "dans mellem lidenskab og intellekt." Begge disse kvaliteter skal komme i spil for at fremstille et maleri lykkes. Denne idé kan ses på arbejdet i Cat's Paws, en gadescene, hvor en enorm skygge deler lærredet på en diagonal og understøttes på begge sider af belyste bygninger. Det kraftfulde perspektiv fører til udsigt ud over havnen badet i blødt sollys. Mod al denne intellektuelle orden fungerer penslen som en spændende og udfordrende kraft, der tryller frem metalpanelerne på køretøjerne og den tunge asfalt på vejen ud af selve malingen. En yderligere, poetisk berøring tilføjes med de strålende røde bremselys fra de tilbagevendende biler - plettet på lærredet i tykke malinger. I Californien Dreamin konstruerer kunstneren igen et meget intellektuelt design, hvor en enorm skygge optager fronten af scenen, mens en række bygninger trækker sig tilbage i et blødt lys mod et glimt af bjælkerne på Golden Gate Bridge. Her leger kunstneren med skalaen fra den lille gade, der kører gennem bygningens hulrum. Igen er maleriets arkitektur indsprøjtet med en dynamisk energi, når børsten magisk suser og trækker malingen, indtil den påtager sig en række illusioner. Glintet af sporvognssporene, asfaltens vægtige grå, bygningens forvitrede mursten og havnens fugtfyldte slør leves alle op af børsten og kunstnerens energiske manipulation af malingen.
|
|
| Jeg tror, din voks smelter
2006, olie, 7 x 12. Saml kunstneren. |
Auster vælger sit emne udelukkende baseret på, hvorvidt det præsenterer en kløe, der skal ridses.”Generelt kan jeg lide scener med figurer,” siger han.”Jeg drages mod det menneskelige drama i et landskab eller et interiør.” Auster mener, at for mange kunstnere starter med at male et smukt eller behageligt emne.”Malerier er meget mere interessante, når de har grimme emner, der er smukt malet,” siger han.”Nogle gange, når jeg kører rundt i en by, elsker jeg at stoppe ved et rødt lys og tage et fotografi af en scene, som ingen nogensinde ville tro at kunne fortjene et maleri.” Ikke overraskende er Auster en stor beundrer af Ashcan School - af malere som sådan som John Sloane og George Bellows, som malede levende og maleriske billeder af det livlige byliv. Blandt hans andre indflydelser udnævner Auster den veteran i Californien, maleren Dan McCaw, der også nyder at manipulere saftige overflader til blændende illusioner.
Hvad angår fremtiden, siger Auster, at han vil male meget større.”Større er virkelig bedre,” griner han.”Et større maleri har så meget mere autoritet og får meget mere opmærksomhed.” Det giver også flere udfordringer.”Jeg tror, at næsten alt kan arbejde lille,” siger han.”Når du kommer til en mellemstor størrelse, skal du bruge lidt mere intellekt. Men når du bliver stor, skal du virkelig tænke over det.”Da han først rejste sig op til syv eller otte meter, blev Auster overrasket over at finde ud af, hvor meget motion han fik til at gå frem og tilbage for at få en god fornemmelse af maleriet.”Det er ikke lige så dårligt nu,” siger han.”Jeg begynder at finde ud af, hvordan maleriet ser ud fra 15 meter væk, selvom jeg stadig er tæt på.” En af fordelene ved store malerier, synes han, er, at de ikke sælger så hurtigt.”De hænger i galleriet længere,” siger han,”så flere får tid til at se dem. Og det synes jeg er fantastisk.”
