En aktuel udstilling i Stockton, Californien, viser, hvordan medlemmer af Plein-Air Painters of America (PAPA) fortolker deres undersøgelser på stedet for at lave større studiemalerier. Vi bad otte af de udstillende malere om at dele deres tilgange med amerikanske kunstnerlæsere. Her var hvad de havde at sige.
af Bob Bahr
|
|
|
| Undersøgelse for Canadas Dome Glacier
af Linda Tippetts, 2006, olie, 12 x 16. Alle illustrationer i denne artikel samle kunstneren medmindre ellers angivet. |
Canadas kuppelgletsjer
af Linda Tippetts, 2006, olie, 18 x 24. |
Linda Tippetts
Montana-kunstneren Linda Tippetts malede studioversionen af denne komposition kort efter, at hun gjorde undersøgelsen.”Det er anderledes for hver enkelt person, men for mig, hvis jeg har mistet den spænding og lidenskab, jeg havde, da jeg valgte den scene på lokationen, og jeg ikke kan genskabe den igen, gør jeg bare ikke studiet,” siger kunstneren.”Det skal være ret øjeblikkeligt - jeg er nødt til at holde denne kontinuitet gående fra banen til studiet uden at bryde mit fokus imellem.”
Selvom hun tilstår, at hun lidt foretrækker sine studier, siger Tippetts, at hun er motiveret til at lave studioversioner af udendørs scener af forskellige grunde, herunder det faktum, at hun lejlighedsvis løber tør for dagslys, mens hun maler en plein air, og en studioversion giver hende mulighed for at indarbejde flere detaljer. Hun kan også ændre designet, som kunstneren gjorde, da hun forstørrede og ændrede formen på gletsjeren i studioversionen. Tippetts ændrede også synligt lyset i studiemaleriet - hun blev fascineret af kompositionen og designen, mens hun malede på stedet, men opdagede, at lyset var bedre næste dag. Hun filmet scenen med et videokamera - hun føler video gør et bedre stykke arbejde med at fange lyseffekter - og brugte optagelserne sammen med undersøgelsen til at skabe hendes større studiostykke. Hun arbejder på lærredsplade i marken og strakte linned i studiet. Hun bruger den samme fulde palet til begge opgaver.
Tippetts malede de canadiske Rockies delvis, fordi hun elsker de amerikanske Rockies så meget.”Fordi jeg bor i nærheden af Rockies i Montana, ville jeg udforske de canadiske Rockies for at opdage deres personlighed,” siger hun.”Jeg er født og opvokset i bjergene, og de er meget kære for mig. Men hvis du ser på den samme scene for længe, ser du ikke en frisk udsigt. At se de canadiske Rockies gav mig et nyt perspektiv på Rocky Mountain-kæden.”
|
|
|
| Undersøgelse for Pacifica Coast
af Joseph Mendez, 2007, olie, 12 x 16. |
Pacifica Coast
af Joseph Mendez, 2007, olie, 20 x 24. |
Joseph Mendez
Joseph Mendez bruger referencebilleder til at hjælpe ham med at få visse detaljer til sine studiomalerier, men generelt betragter han dem som en "stor løgn" og ser på sin undersøgelse for farvenotater.”Fotos giver dig ikke nøjagtige farver,” siger han.”Fotografiet er koldt.” Som Tippetts føler Mendez, at det er vigtigt at male studieversionen så hurtigt som muligt efter afsluttet undersøgelse, mens han stadig husker oplevelsen.”Jeg gør det inden for et par dage,” siger han.”Det skal jeg gøre, ellers går billedet væk.”
Mendez maler på lærredsplade eller Masonite på stedet og stræket lærred eller lærredsplade i studiet ved hjælp af den samme begrænsede palet til begge dele. Frem for alt søger han at fange stedet følelsen.”Jeg er ligeglad med, om jeg gør en klippe større eller mindre - jeg vil gøre hvad jeg vil,” siger han.”Men følelsen af stedet er meget vigtig for mig, følelsen af den bestemte dag.” Kompositionen vil sandsynligvis ændre sig fra studiet til studioversionen, og Mendez forventer det.”Forskellen i størrelse mellem undersøgelsen og studiemaleriet tvinger mig til at have en anden komposition,” påpeger han.
Kunstneren i Californien anvender også et usædvanligt skridt til at hjælpe med at understrege oplevelsen snarere end de specifikke objekter, der ses: Han arbejder på studiet maleriet på hovedet.”På den måde bruger jeg ikke min hjerne og tænker over, hvad scenen er - det forhindrer mig i at tænke og retfærdiggøre ting,” siger Mendez.”Jeg maler bare de farver, jeg ser og husker.”
|
|
|
| San Gimignano
af John Budicin, 2007, olie, 7 x 10. |
Udsigten
af John Budicin, 2007, olie, 28 x 40. |
John Budicin
På spørgsmålet om, hvad der er det sværeste ved at male en studioversion af en skitse på stedet, er John Budicin enig med flere plein air-kunstnere:”At prøve at bevare den friskhed, der var der, det er den største udfordring,” indrømmer han. Denne Californiske kunstner og nuværende præsident for PAPA løser ikke nødvendigvis problemet ved at prøve at male studioversionen så hurtigt som muligt efter at undersøgelsen er afsluttet på stedet.”For mig betyder det at arbejde på studioversionen lidt ad gangen, så jeg ikke overarbejder et bestemt område,” forklarer han.”Jeg vil bare gå væk eller arbejde på en ramme - jeg nyder at lave min egen og anvende guldbladet - og derefter, efter at jeg har ryddet op, går jeg tilbage til maleriet.
”Hvis du ser et område, der ikke fungerer, er det et advarselsskilt,” tilbyder Budicin.”Hvis du ser et træ, der ikke helt passer, selvom du har malet det flere gange, har du mistet din friskhed.” Han advarer også om, at det større maleri skal have sit eget liv.”Du kan aldrig kopiere det, du fik på den lille,” siger Budicin.”Undersøgelsen har ét sprog, og det større stykke skal tale for sig selv. Jeg maler bare i det øjeblik, hvor jeg laver undersøgelsen.”
| Læs mere om Budicins plein air-oplevelser i "On Location in Malibu: Paintings by CAC Members." |
Den del af Toscana, som Budicin skildrede i dette par malerier, er et af hans yndlingsområder at besøge. Den største ændring, han foretog fra undersøgelsen til studieversionen, er i behandlingen af baggrunden.”Jeg tilføjede flere detaljer og fik det til at aftage mere,” siger kunstneren.”Jeg gav det mere interesse og designet det, så det tager beskuerens øje tilbage omkring maleriet - jeg prøvede at få et mere cirkulært mønster for at holde ens øje med i maleriet.”
|
Brian Stewart
Minnesota-maleren Brian Stewart mønstrer hans brug af studier efter sådanne tidligere mestre som Hudson River School-malere, der arbejdede fra flere studier for at producere større studioværker.”Den hårde del er at integrere det hele og få det til at se troværdigt ud,” siger han.”At få den samme følelse, lyskilde, vinkel, afstand, perspektiv - det er vanskeligheden, især når du har at gøre med menneskeskabte genstande. Dette er ting, som det menneskelige øje har en tendens til at identificere og have en vis fortrolighed med, så du skal være meget teknisk i din tegning. Hvis jeg laver et landskab af bjerge og træer og klipper, kan det have en tegnefejl, og ingen vil samle det op. Men hvis jeg maler en menneskeskabt genstand, er jeg nødt til at få det rigtigt, fordi folk henter det, uanset om de er trænet eller utrent.”
Stewart taklede dette sammensatte billede af retro-autotrailere ved at male adskillige undersøgelser i cirka to timer hver på 6 "-x-8" bomulds-lærredspaneler.”Den første undersøgelse, trailerparken i Bisbee, Arizona, dikterede den samlede tonalitet,” siger han.”Jeg prøvede at gøre alt sammenhængende.” Han malede bilen separat og justerede dens farvetemperatur fra undersøgelsen, da han malede studiet. Menneskerne i kompositionen blev malet ud fra fotografier, han senere iscenesatte indendørs, i kostume, om vinteren. Den trailer, der er i fokus i studiestykket, blev malet i en anden trailerpark.
”Farve, værdier og den generelle lysfølelse er det, jeg prøver at fange i studier,” siger kunstneren.”Jeg koncentrerer mig ikke så meget om tegning - jeg prøver at få tegningen nøjagtig, men jeg kan stole på referencefotos for nøjagtighed på det større stykke, hvis jeg har brug for det. Jeg prøver stadig at skabe kunst - jeg forsøger ikke at lave en dokumentation.”I stedet prøver han at fremkalde en følelse af nostalgi og føler sig fri til at tage friheder med detaljer i skiltningen, bygninger og lignende elementer i periferien af maleriet.
Han begynder med at tegne med maling ved hjælp af meget få linjer.”Jeg tegner altid, mens jeg afslutter maleriet,” siger Stewart.”Jeg afslutter tegningen, mens jeg maler. Hvis jeg laver for dyrebar tegning i begyndelsen, kunne jeg blive gift med den og være bange for at afvige fra den.”Derefter opretter Stewart normalt en mellemtegning, en trækul-tegneserie på Ingres-papir med hvid kridt for at udarbejde enhver tegning problemer. Derefter tilføjer han et gitter over tegningen og på lærredet, så han nøjagtigt kan overføre informationen.
”Jeg er normalt ikke i stand til at gøre de større studiemalerier med det samme, men jo før jeg gør det færdige maleri, jo mere vellykket er det,” siger han.”Følelsen forbliver hos mig oprindeligt, men det ser ud til at forsvinde med tiden. Og med et maleri er det vigtigere, hvordan det føles, end hvordan det fungerer.”For Trailer Park malede Stewart først trailersparken, der fungerer som indstillingen, derefter en uge senere, den primære trailer. Fem måneder senere fandt han bilen til at trække i den. Seks måneder senere kunne han starte studiemaleriet, hvilket tog ham en og en halv uge at udføre.
|
|
|
| Undersøgelse for efterårstokke i dalen
af Gil Dellinger, 2006, akryl, 8 x 10. |
Efterårstokke i dalen
af Gil Dellinger, 2006, akryl, 36 x 48. |
Gil Dellinger
”I studioversionen bagatelliserede jeg det dynamiske lys lidt for at give maleriet større enhed,” siger Gil Dellinger om dette par akrylstykker.”Der var en brashness, der var virkelig charmerende i lille skala, men på et stort maleri ville det have været for uhyggeligt og slags inharmonisk. Jeg ændrede farverne lidt, og jeg ændrede formen på vejen - jeg prøvede det i studiemaleriet og besluttede, at jeg kunne lide det, så jeg fulgte den nye idé, lad det morf.”
Dellinger siger, at når han er på stedet, han glemmer næsten design, fordi han er så opsat på at fange stedet for fornemmelsen.”Jeg arbejder ved at føle stemning på et sted,” siger han.”Selv en lugt - jeg kan medbringe plantematerialer fra området ind i studiet. Det er en del af oplevelsen. En lugt er noget, der omgår nogle hjernefunktioner og fører dig tilbage til en hukommelse. Du kan lugte noget og være tilbage for 20 år siden.
”Normalt er jeg nødt til at male et område lige efter at jeg har oplevet det,” siger Dellinger.”Et år senere er jeg for følelsesmæssigt løsrevet fra den første oplevelse. Det er meget vanskeligt at huske det.”
|
|
|
| Undersøgelse til vinterfarver
af Scott Burdick, 2007, olie, 6 x 8. |
Vinterfarver
af Scott Burdick, 2007, olie, 18 x 24. |
Scott Burdick
Forskellen mellem Scott Burdicks undersøgelse af et maleri af Yosemite i januar og studiemaleriet inspireret af den samme scene er uden tvivl den mest dramatiske af parene, der blev udstillet i PAPA-showet. Formatet har ikke kun ændret sig fra vandret til lodret, men et maleri, der synes fokuseret på de gule bakker i baggrunden, er muteret til et stykke, der understreger spillet af det gule lys på vandløbet og de kølige, snefarvede klipper.
”Selv mens jeg malede undersøgelsen, tænkte jeg på at gøre det lodret,” forklarer han.”Jeg bliver begejstret for den scene, jeg skal male, og jeg vil bare komme i gang med det samme. Men jeg kigger altid rundt og ser andre ting, som ville være dejligt at male. Og ting ændrer sig over tid. I dette tilfælde reflekterede lyset virkelig ikke vandet, før jeg begyndte. Så begyndte det gule i bakkerne at reflektere, og jeg blev wowed, og jeg tog nogle fotos - jeg vidste, at jeg ville gøre et lodret. Det sker ofte - du kommer i gang, og så pludselig ser du andre muligheder, bedre muligheder. Men hvis jeg ikke havde gjort undersøgelsen, ville jeg ikke have boet der længe nok til at se den ændring i lyset.”
Burdick bruger cirka tre timer på at male sine studier, og han betragter det som en vigtig optegnelse af farverne i scenen, og måske lige så vigtig, tre timers nøje observation af emnet. Han tager også referencefotos, “beslag” dem for at fange detaljerne i både de meget lyse og meget mørke områder. Kunstneren i North Carolina finder studiemalerier tilfredsstillende, fordi de giver ham mulighed for at udforske en ny tilgang til emnet og tage en pause fra at være væk hjemmefra. Men at male udendørs er helt klart et højdepunkt for Burdick.
”At male en plein air er den sjove del af at være kunstner,” siger Burdick.”At gå ud og udforske, lære om placeringen - du ser, hvordan solen skifter, hvordan lyset er forskelligt på et bestemt sted. Selvom disse malerier ikke er dem, der bliver sendt ud og købt af samlerne, for kunstnere, er undersøgelserne virkelig sjov. Men du snyder dig selv, hvis alt hvad du gør er studier. De store kunstnere gjorde alle studier, men de er kendt for deres store utrolige mesterværker udført i studiet, hvilket kun var muligt på grund af deres studier.”
|
|
|
|
Undersøg for Union Square ved Powell Street af Ken Auster, 2006, olie, 12 x 16. |
Union Square ved Powell Street
af Ken Auster, 2006, olie, 75 x 96. |
Ken Auster
Et Ken Auster-studiomaleri vil sandsynligvis være 600 procent større end dets undersøgelse, så hans mål er lidt anderledes end nogle plein luftmalere.”Undersøgelsen er bare at organisere mine tanker og lægge noget så hurtigt som muligt,” siger kunstneren i Californien.”Jeg vil se, om det fungerer i et større format.”
| Læs mere om Auster's plein air-teknik i "Tung maling, store børster og ingen oprydning: Ken Auster's malerier." |
Han bruger en stor børste på sine 12 "-x-16" studier "så det tager mindre tid at lave maleriet." Auster siger, at han ikke kan lide at være i folks måde, når han maler i byen; han får en undersøgelse udført på 90 minutter, ofte får han det grundlæggende ned i de første 30 minutter, hvorefter han flytter til et mindre påtrængende sted for at udvikle undersøgelsen videre. Ved hjælp af referencefotos tilføjer han et par få detaljer til undersøgelsen senere i studiet. Derefter foretager han vurderinger.
”Jeg skal lave en række mindre malerier og se dem længe, så endelig tage en beslutning om, hvilken der skal tage et godt stort maleri,” forklarer han.”Du er nødt til at bestemme, om maleriet fungerer i et stort format. Jo stærkere emne eller fokuspunkt i et lille maleri er, jo mere vellykket er det større maleri. Du kan gøre næsten hvad som helst i et 6 "-x-8" -format, og det fungerer - fordi du ikke prøver at lægge alle oplysningerne i et lille maleri. Du er tvunget til at overholde reglerne for godt design og modstå at udfylde det med en flok skrammel. Et godt maleri er afhængigt af hvad du udelader.”
Det næste trin for Auster er at blokere for det store maleri i sit studie. Han siger, at dette trin, hvor designet er indstillet, skal udføres i en session - han afslutter generelt dette”fundament” på en eftermiddag, lægger handsker på og smører malingen på med hænderne.”Det er en hurtig proces; man skal arbejde, mens det er vådt,”siger han.”Og det er fysisk træning; du er nødt til at lægge en masse maling hurtigt ned.”Auster mener, at hvis dette fundament er korrekt, er det næsten umuligt for ham at senere ødelægge maleriet under forfininger. Kun meget arbejde og en stor børste kunne sabotere kompositionen og designet.
Kunstneren bruger derefter bidder af tid over et par uger på at udvikle små områder i maleriet og etablere omdrejningspunktet. Han undgår for mange detaljer.”Intet vil skade et stort maleri mere end for meget information,” hævder Auster.”Du har brug for en firkantet fod med virkelig interessant information, og resten skal være abstrakte. Du kan ikke føle, at du har brug for at lægge flere ting i det, bare fordi der er mere plads. Du er nødt til at tøense den tanke og holde omdrejningspunktet.
”På mindre stykker kan du slippe af med sådanne ting som en enorm del af rød, men i et stort maleri ville det være så dominerende, at du ikke kunne stoppe med at se på det,” forklarer han. "Du får muligvis meget mere subtile oplysninger i et større stykke end et mindre, men du får ikke flere detaljer."
Auster tilføjer betydeligt mere dybde i sine større malerier, og han sørger for at gøre sine farver lidt mere subtile.”I en undersøgelse kan jeg opdele landskabet i tre lag - forgrund, mellemgrund og baggrund - og der vil være store værdiændringer mellem dem,” siger han.”I et studiostykke kan jeg lægge seks eller syv lag derinde - jeg kan skubbe konvolutten, mens jeg beholder det fulde interval af værdier.”
|
|
|
| Undersøgelse efter efterårets sidste blade
af Jim Morgan, 2007, olie, 8 x 10. |
De sidste blade af efteråret
af Jim Morgan, 2007, olie, 24 x 36. |
Jim Morgan
Jim Morgan's undersøgelse af et ahorntræ i slutningen af efteråret blev faktisk udført i studiet, ligesom de fleste af hans studier. Han laver meget uslebne, enkle skitser på stedet og arbejder derefter op i en lille undersøgelse derhjemme inden han starter i et større, mere færdigt stykke.”Denne undersøgelse var baseret på et par hen-skraber på stedet,” siger kunstneren i Utah.”Jeg gør disse for at se, hvordan kompositionen vil fungere, før jeg gør den større. De første miniaturebilleder giver mig essensen af emnet og linjens bevægelse.”Morgan bruger også referencefotos, men han henviser kun flygtigt til dem og foretrækker at stole på hukommelse og intuition.
Den lille junco i studiemaleriet var planlagt fra begyndelsen, men Morgan forlod fuglen ud af studiet, fordi han først ville sikre sig, at kompositionen ville være stærk nok uden den.
Om PAPA
Plein-Air Painters of American (PAPA) blev grundlagt af Denise Burns på Catalina Island, uden for Californiens kyst, i 1986. Idéen var at håndplukke 20 kunstnere, få dem til at male på øen i en uge og derefter vise deres arbejde i et salg lørdag aften og søndag formiddag. Dette format viste sig at være meget vellykket, og i de næste 18 år malede og udstillede gruppen på Catalina, efterfulgt af to år i Lake Tahoe-området. Organisationen begrænser stadig sit medlemskab, og målet forbliver det samme, "at dokumentere et sted og en tid og henlede opmærksomheden på seværdigheder som store og små, " ifølge PAPAs websted. Årlige workshops er for nylig også blevet en del af deres aktiviteter.
