En mere færdig tegning er mulig, når en model udgør en længere periode, men denne luksus har særlige udfordringer. Identificering og forberedelse til de potentielle faldgruber vil forbedre din figurtegning.
Hvis du vil læse flere funktioner som dette, kan du abonnere på Tegning i dag!
af Dan Gheno
|
|
| Akademisk tegning af en stående kvinde, set forfra
af Taylor, trækul, 24 x 18½. Samling The Art Students League of New York, New York, New York. Selvom det er en meget færdig académie, lægger dette billede stadig meget vægt på modellens underliggende gestus. Bemærk, hvordan kunstneren testede og udviklede sin forståelse af gestus i den løst gengivne overkropp på venstre side af tegningen. |
Skæve figur (Claudia)
af Dan Gheno, 2007, grafit, 24 x 18. Saml kunstneren. |
F eller nogle kunstnere, der kan lide at tegne figuren fra livet, en times times positur kan virke som en evighed, mens for andre kan en fire-ugers positur føles som fire blink af øjet. Ligegyldigt hvordan du definerer en "lang pose", tager det kun et par sekunder at ødelægge en lovende eller næsten færdig tegning. Det er som et spark i din tarm, når du indser, at du er gået ud over punktet uden tilbagevenden, hvor papiret falder fra hinanden og ingen sletning, ekstra gengivelse eller tilføjede linjer redder det.
Så hvordan redder du dig selv fra denne forfærdelige skæbne? I denne artikel vil jeg skitsere de mange faldgruber, som du sandsynligvis vil blive udsat for, hver gang du arbejder på en tegning i en time eller mere. Mere vigtigt, jeg vil beskrive et par af de mange strategier, du kan bruge til at undgå disse landminer og holde dine tegninger friske og levende. Alle taktikkerne på denne liste er lige så vigtige og præsenteres i en særlig rækkefølge af betydning. Du skal prøve at holde dem i tankerne samtidig, når du tegner en lang holdning, bortset fra det transcendente, vigtige første punkt, som du skal overveje, før du begynder at tegne: Definer dine mål!
Mål
Tegner du en sonderende undersøgelse til et maleri, tegner en akademisk undersøgelse eller producerer en komposition for dens egen skyld som et kunstobjekt? For eksempel gjorde renæssancen og barokken Old Masters mange højpolerede figurtegninger som studier for deres malerier. Det kan se ud som om de arbejdede i lang tid, men for det meste arbejdede de temmelig hurtigt og forsøgte at foregribe og rette spørgsmål om anatomi og forhold, som de måtte møde på deres færdige lærred - de kom meget ned på deres papir, fordi de tøvede ikke. Disse kunstnere havde et fast mål i tankerne, og de stoppede, da de nåede deres mål og skabte kraftfulde, livsfyldte tegninger, der i øvrigt lykkes som uafhængig, færdig kunst.
På den anden side vil du tage din tid, når du tegner en akademisk undersøgelse (eller académie), og bygger langsomt op til det færdige produkt. At tage genveje reducerer uddannelsesværdien af disse øvelser, som, hvis de udføres på traditionel måde, kan tage et gennemsnit på fem kontinuerlige dage at gennemføre. Prøv at være klar over dine intentioner, når du laver en académie. Forsøger du at lære noget om værdier og proportioner? Hvis ja, skal du bruge din tid på at prøve at fjerde og udfylde hvert korn på papiret, når du opfylder dette mål? Eller på dit nuværende kompetenceniveau er det en bedre brug af din tid at starte en ny tegning for at fremme dine evner til visuel opfattelse?
|
|
|
| S tudy af en galeyslave
af Annibale Carracci, ca. 1585, rød kridt, 10¼ x 10 ?. Carracci-familien af kunstnere var en magtfuld styrke i figurtegningens verden. Da renæssancen falmede ind i, hvad de anså for de udisciplinerede overskridelser af den manneristiske tidsalder, blev de bange for, at deres nye generation havde glemt, hvordan man tegner den menneskelige form. De skabte det første”akademi”, der blev viet til studiet og tegningen af figuren fra livet, i et forsøg på at videregive denne genoplivede, kunstneriske viden til medkunstnere fra den”reformerede” barokke æra. |
Portræt af Marie-Gabrielle Capet, halvlang, holder et glas og læner sig på et bord
af François-André Vincent, 1790, sort og hvid kridt med strejf af rød kridt, 18? x 17¼. Samling The Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois. Der er en stor gestus i denne model. Mange tidlige kunstnere brugte seler til at hjælpe modellen med at bevare sådanne vanskelige positioner eller trak posituren i dele og gradvist samle kropssegmenterne til en færdig helhed. |
Så er der den type langsigtede tegning, der udelukkende er udført for kunstens skyld. Nogle gange er det bevidst og studeret, nogle gange er det impulsivt og udtryksfuldt. Ofte er det realistisk, og lejlighedsvis er det ikke-objektivt, men det er næsten altid skabt med ivrig passion. Kunstnere som Alberto Giacometti og Rico Lebrun omarbejdede ofte gentagne gange deres billeder ved at sætte ind og tage linjer og værdiformer. De lader undertiden billedet vises, forsvinde og vises derefter igen med tiden, indtil de følte sig godt tilpas med resultaterne. Der er mange grunde til at bruge lang tid på en tegning. Hvis du vil lægge din tegning med kraft og overbevisning, skal du vælge en grund og holde dig til den.
Håndbevægelse
Uanset hvad dine mål er, er det bydende at starte din tegning med en fast forståelse af figurens underliggende gestus. Det er lige så vigtigt at bevare dette gestusmæssige look, når du går dybere ind i tegningen, gengiver værdier og komplicerede detaljer. Bemærk, hvordan Seurat begyndte sin académie på en afslappet, improviserende måde, idet han løst etablerede figurens silhuet i Study for Man Standing, Palms Out. Han foretog nogle mindre justeringer af gestus, da han gengav den færdige tegning, men han holdt fast ved de store rytmer, der løb gennem figuren, og veltalende fanger den måde, de enkelte kropsdele har en tendens til at vinkle i modsætning til hinanden. Husk dog, at du arbejder fra et levende, åndedræt menneske. Når modeller trækkes, skifter de undertiden ubevidst deres vægt fra det ene ben til det andet i en stående stilling, hvilket ændrer den underliggende gestus.
Måling
Mange kunstnere står overfor en hel del vanskeligheder med at prøve at passe hele figuren på deres papirer eller lærreder. Der er ingen regel, der siger, at du skal tegne hele figuren, men dette er et særdeles skræmmende emne for de kunstnere, der tegner en académie eller prøver at passe flere figurer ind i et kompliceret perspektivlayout. I begge tilfælde synes jeg det er meget nyttigt at markere på mit papir toppen, midten og bunden af figuren. Ved at finde midten af figuren kan man tegne frem og tilbage fra toppen til bunden og arbejde tilbage mod midten. Mange kunstnere forkorte underbevidst deres figurer, når de bevæger sig farligt tæt på bunden af papiret. Hvis du ikke har tid til at genstarte tegningen, og du ikke har noget andet valg, er det bedre at lade fødderne løbe væk fra siden, med alle de andre kropsdele korrekt i forhold, end at gøre din model til en moderne version af den kortbenede Toulouse-Lautrec. Jeg prøver at stole på min tarm så meget som muligt i denne tidlige fase. Først når jeg er tilfreds med figurens generelle placering og handling, begynder jeg at nulstille ind på individuelle former og detaljer, og først derefter begynder jeg at optisk måle størrelsen af modellen. Oftest bruger jeg hovedstørrelsen som min måleenhed for resten af figuren. Det er en god ide at gentage hver af dine målinger mindst to gange for at bekræfte nøjagtigheden. Derefter krydskontrol af dine hovedmålinger ved at sammenligne store anatomiske enheder såsom ben mod arme, overkroppen mod benenhederne og den samlede figurlængde med dens bredde.
I en siddende position kan en model begynde med perfekt holdning, og derefter flere minutter senere ende med at falde fremad. Du har flere muligheder: Når du arbejder alene, skal du bede modellen om at justere posituren og / eller tage flere pauser, hvis posituren er vanskelig. Desværre er det mere problematisk, hvis du trækker ind i en gruppesituation. Når du kigger rundt i studiet, kan du muligvis bemærke, at dine medkunstnere har tegnet modellen i forskellige trætte tilstande. Den bedste løsning er at vente, indtil modellen genoptager posituren efter en fem minutters pause. Forfrisket vender modellen sandsynligvis tilbage til den oprindelige gestus. Du kan også justere din tegning, så den afspejler positionen, når modellen bliver træt. Men hold dig til det! Uanset hvad du gør, skal du aldrig ændre din tegning frem og tilbage og forsøge at jage modelens skiftende bevægelser.
Sørg altid for at finde figurens midterste punkt - uanset hvor det måtte være (normalt nær skridtet på den stående figur). Og glem ikke at markere det let på dit papir. På den måde, hvis den øverste del af din figur begynder at blive større, når du koncentrerer dig om detaljerne der, vil du fange din fejl, før du går tom for papir til fødderne.
|
|
|
| Undersøgelse for en mand stående, Palms Out
af Georges Seurat, 1877, 23½ x 15. Privat samling. Læg mærke til den enkle, delikate måde, hvorpå Seurat oprettede gestus i sin figur. I starten er det næsten en tom silhuet. |
To undersøgelser af en nøgen kvinde, der ligger og står mod højre
af Jean-Auguste-Dominique Ingres, ca. 1813, grafit, 10 x 10½. Saml Louvre, Paris, Frankrig. Nogle kunstnere ser med vilje efter og pålægger forvrængninger i deres tegnede figurer. I et forsøg på at fremkalde en "idealisering", som han betragtede som klassisk, tilføjede Ingres regelmæssigt ryghvirvler og blødgjorte leddene til sine menneskelige subjekter for at skabe en elegant forlængelse eller udjævning ud af deres former. |
Nogle kunstnere bruger en meget streng tilgang og måler alt på en nøje præcis lodrette og vandrette lodlinie. Dette kan fungere fejlfrit, når man tegner fra et stille liv, gipsafstødninger eller fotografier. Som vi tidligere har bemærket vedrørende modellens gestus, kan den skabe en masse forvirring, når den anvendes til et menneske, især af en novice. I begyndelsen af posituren, uanset om hun sidder eller står, kan modellen muligvis starte i en meget oprejst stilling, hvor længden af figuren måler et vist antal hoveder. Ved afslutningen af posesessionen vil områdene mellem halsen og halsbenet og mellemrummet mellem ribbeholderen og bækkenet være komprimeret kraftigt og måske trække så meget som et eller flere hoveder ud af figurens samlede længde.
Du skal være opmærksom på dette, når du tæller hoveder. Tegn ikke alt mod slutningen af en positur, hvis du antager, at dine oprindelige målinger er slukket. Jeg prøver at tage højde for den naturlige nedtrapning, der forekommer i overkroppen, når modellen synker ned i posen, og måler hovedet mod faste benede dele, såsom brystbenet, bækkenet eller de stive lange knogler i lemmerne. Jeg måler langs den lange akse af hver anatomisk form, enten i forbindelse med eller i stedet for den sædvanlige lodrette og horisontale metode, og jeg undgår de mere fleksible, sammenfoldelige områder af kroppen, og stoler på min tarm for de lokale forhold. Normalt, hvis du korrekt estimerer de stive områder af kroppen, vil du have svært ved at gå for galt på de mere sammenfoldelige områder.
Draperi og møbler kan også være årsagen til meget besvær og tegning. Når du tegner et siddende positur, vil du bemærke, at stolen ofte vil skubbe op mod modellens lår og tilsyneladende forkorte længden på hans eller hendes overkropp. Prøv ikke at bevidst udvide længden af overkroppen i din tegning for at kompensere for denne effekt. Den trukkede overkropp ser imidlertid for kort ud for seeren, hvis du i det mindste ikke trækker noget lille forslag om stolpuden eller det lag af gardiner, der muligvis sidder på stolen, og beskærer figuren endnu mere.
Draperi og møbler kan også være årsagen til meget besvær og tegning. Når du tegner et siddende positur, vil du bemærke, at stolen ofte vil skubbe op mod modellens lår og tilsyneladende forkorte længden på hans eller hendes overkropp. Prøv ikke at bevidst udvide længden af overkroppen i din tegning for at kompensere for denne effekt. Den tegnede overkropp ser imidlertid for kort ud for seeren, hvis du i det mindste ikke trækker noget lille forslag om stolpuden eller det lag af gardiner, der muligvis sidder på stolen, og beskærer figuren endnu mere.
Objektivitet
Jo længere du arbejder, jo sværere er det at bevare din objektivitet. Du vil opdage, at der er tidspunkter, hvor intet ser korrekt ud og ingen revisioner ser ud til at fungere. Først ser hovedet for stort ud, så efter at have skiftet det ser hovedet for lille ud. Kort sagt, du føler dig blind. Selv hvis du ikke er fysisk udmattet, skal du tage dig selv og tage pauser fra tegningsprocessen, før dette sker. Modellen er ikke den eneste, der har brug for hvile - det gør du også! Tid på dine pauser til modellen, det tager normalt fem minutter efter hvert 20 minutters arbejde og en lang pause på et tidspunkt i løbet af en tre timers session. Det hjælper også med at se på din tegning med et spejl. Dette enkle værktøj, der er i brug siden renæssancen, vender billedet tilbage og giver dig mulighed for at se størrelsen på din figur med en lille smule objektivitet. Brug ikke stadig for meget, ellers vil du også miste din objektivitet med det omvendte billede.
Revision Creep
"Revisionskryp" opstår normalt, når du har mistet din objektivitet, og du nægter at tage en pause. Måske kender du følelsen. Det starter normalt uskyldigt nok. Du beslutter, at en kropsdel er lidt for lille, så du forstørrer den. Så er du klar over, at du er nødt til at forstørre andre kropsdele i kompensation, og før du ved det, har du omklassificeret hele figuren til en større størrelse, og den første kropsdel ser for lille ud igen. Som du ved kan revisionskræbning forekomme, selv når du er fuldt energisk og vågen. Det hjælper med at tage en pause og derefter se på billedet i spejlet, før du foretager større ændringer på en figurtegning, der så fint ud for bare få minutter siden. Hvis det ikke fungerer, kan du prøve at stirre på området ved siden af det påståede problem; overraskende ofte findes det virkelige problem andetsteds. I tilfælde af et øje, der ser for stort ud eller ser plantet for tæt på næsen, skal du se på de tilstødende træk. Måske er næsen for bred og rammer øjet; eller måske er øret for stort eller for tæt på øjet, så det ser ud som om øjet overvælder resten af ansigtet.
Jeg bruger ofte en teknik, jeg kalder “sporing tilbage”, når jeg prøver at finde et problemområde. For eksempel, hvis jeg arbejder på ansigtet, vil jeg starte med en af funktionerne på min tegning og placere min blyant i dets hjørne. Så hopper jeg blyanten til den nærmeste, tilstødende værdiform og ser på modellen for at være sikker på, at afstanden er nøjagtig. Så hopper jeg min blyant til den næste værdiform, ser på modellen igen og gentager processen, indtil jeg enten bekræfter proportioner eller finder problemet. Tænk på det som ø-hopping, eller som nogle kunstnere poetisk har formuleret det, en flue, der springer fra den ene detalje til den næste.
Du skal være på vagt for at revidere kryb i ansigtet, især når du bruger hovedet som din måleenhed. Som du måske husker fra min artikel i efteråret 2006-udgaven af Tegning ["Sådan tegner du dynamiske hoveder"], hvis ansigtstrekanten af øjne, næse og læber er for stor til ansigtet, vil hovedet se for stort ud til kroppen. Selvom hovedets udvendige form er korrekt proportioneret, kan du blive fristet til at forstørre resten af figuren, som så vil se for stor ud. Når du er i tvivl om sådanne fremtidige ændringer, skader det ikke at prøve dem på dit sporingspapir først.
|
|
|
| Stående figur
af Philip Pearlstein, 1962, akvarel og vask, 14 x 11. Jeg er ikke interesseret i hans intentioner, men når du ser på de stiplede konturlinjer, der krummer sig over bredderne af modelformerne på denne tegning, kan du næsten forestille dig, at Pearlstein "sporer tilbage" med øjnene og blyantspring fra en hovedform eller fly til en anden. |
Undersøg for Kristi figur på korset
af Peter Paul Rubens, trækul og hvid kridt, 20¾ x 14½. Saml det britiske museum, London, England. Dette er en kraftfuld "abstrakt" tegning baseret på både en stærk, eksplosiv silhuet på figurens udvendige og faste, elegante lys og mørke former inden for det indre. På trods af alle værdivariationer i denne tegning, skal du bemærke, hvordan Rubens fagmandigt holder alle de lys halvtoner lyse nok som en enhed, så de ikke forveksles med skyggerne. |
Måske er du helt tilfreds med forholdet mellem hovedets træk, men det er kroppen, der giver dig problemer. Selv efter måling af kroppens længde mod hovedstørrelsen flere gange ser den samlede figur stadig for stor eller for lille ud. Hvis figuren virker for stor, men længden af figuren måler korrekt, har du ofte trukket overkroppen og lemmerne for tykke. Inden du giver efter for revisionskryp og tegner hovedet til en større størrelse, skal du overveje dette: De fleste kunstnere har ikke meget problemer med at bedømme deres lodrette målinger, men de snubler regelmæssigt, når de måler på tværs af modellens bredder. Nogle gange gør de en bredde for bred, nogle gange for tynd. Det sker med os alle. I disse skøre øjeblikke føles det som om du er faldet i en slags optisk Twilight Zone, hvor figuren du har tegnet ser for kort ud, når du faktisk har gjort den for bred; eller en figur ser for lang ud, når du faktisk har gjort den for tynd. Før du automatisk ændrer dine længder, skal du tjekke dine bredder for at være sikker på, at du ikke narrer dig selv.
Og så er der den trickster af foreshortening, der ofte kan lide at kaste en abenøgle ind i alt. Kunstnere har normalt ikke svært ved at bestemme de forkortede længder på lemmerne, men de har en tendens til at trække bredderne for små, som om de står i forhold til en kortere arm eller ben. Foreshortening er, som navnet antyder, en forkortelse af en form fra forud til bagud. Generelt (medmindre det lem, du tegner, er markant tættere på dig), måler bredden typisk lige så meget, som det ville være i en ikke-forkortet position. Selvom vores øjne kan se sandheden, er vi nødt til at komme over vores nervøse benægtelse, før vi kan tillade os at tegne det på den måde.
Visuel forvrængning
Selvom foreshortening kan virke som en form for forvrængning, er det ikke. En forkortet lem er simpelthen den visuelle form, som dit øje ser. Men visuel forvrængning kan blive et reelt problem, hvis du står for tæt på modellen, mens du tegner. Du kan kun se så meget af figuren, før du skal bevæge øjnene op eller ned. Hver gang du bevæger øjnene eller hovedet, skifter du dit billedplan og dit perspektivforhold til modellen: Et øjeblik kigger du op på undersiden af modelens næse, i det næste øjeblik kigger du ned på det øverste plan af modelens sko. Mange fotografer bruger målbevidst et vidvinkellinser for at få denne form for wraparound-udsigt, men denne nærbillede fisk-øje-effekt spiller ødelæggelse med kunstnerens normalt pålidelige målesystemer. Den nøjagtige anvendelse af lodlinjer og hovedenheder fungerer kun, når man ser modellen gennem et billedplan, og de er næsten ubrugelige i denne situation undtagen som en generel vejledning. Mange af os vælger lejlighedsvis at omfavne denne forvrængningseffekt. Nogle kunstnere, såsom cubisterne, udnytter flere billedfly til det ekstreme, mens andre som Degas og Raphael Soyer indtager en mere tilbageholden tilgang. Skulle forvrængning interessere dig, er du nødt til at stole på din tarm så meget som muligt, så du ikke bugner din tegning med svimlende revisioner eller frustrerende tunge hånd, tegnet linjer. Når du blokerer i din tegning, skal du sammenligne tilstødende kropsdele med hinanden, så i det mindste deres proportioner forekommer logiske for uanset niveau af forvrængning, du søger.
|
|
|
| Kvindelig nøgen, set bagfra
af Jacob Jordaens, ca. 1640, sort, rød og hvid kridt, 10? x 8. Collection National Gallery of Scotland, Edinburgh, Scotland. Forhortede lemmer kan virke umulige for vores sind, men for vores øjne er det den enkle optiske sandhed. For med succes at tegne forkortede former, må vi træne vores sind til at komme ud af vejen for vores øjne. |
Siddende gammel kvinde, hendes hænder foldet i hendes skød
af Käthe Kollwitz, 1905, trækul, 27 x 15½. Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden, Tyskland. Kollwitz gjorde god brug af sine materialer ved at bruge de dristige, kontrastiske værdier af sit trækul til at gentage den tunge, dystre, men bestemte kvalitet af sit emne. |
Hvis du vil undgå denne form for visuel forvrængning, er der flere enkle måder at bestemme, om du er for tæt på modellen. Landskabsmaler George Inness foreslog en hurtig og effektiv løsning. Han påpegede, at det er farligt at lægge mere i landskabet, end kunstnere menneskeligt kan se uden at bevæge deres øjne, og foreslog, at vi skulle holde tommelfingeren og pegefingeren i en cirkel og kigge igennem det, mens vi holder den i slutningen af vores næser. Det lille syn, sagde han, er det, vi kan se uden at bevæge os. Mange akademiske figurskuffer foretrækker en mere præcis formel: kunstnerens afstand fra modellen skal være omkring tre gange figurens højde. Det afhænger af, hvor meget af figuren du vil tegne, men hvis du ønsker at gengive hele dens længde uden denne forvrængning, så prøv at stå mindst 14 meter væk fra modellen.
Uanset om du tegner for realisme eller udtryk, er det normalt bedst at tegne på en staffeli. Det er svært nok til at holde dine proportioner under kontrol med papiret lige, centreret og parallelt med din synslinie. Det er næsten umuligt, hvis papiret er skråt mod dine øjne, og dit syn på tegningen er forvrænget. Du vil bemærke, at benene i nogle af Prud'hons tegninger ser lidt korte ud. Det er muligt, at han tegnet en masse kortbenede modeller, men da vi ved, at han kunne lide at tegne skissegrupper, tegnet han sandsynligvis på en stol med den nederste del af sit bord vinklet tættere på øjnene. I dette tilfælde ser benene perfekt ud i forhold til ham i den vinkel på forvrængning. Desværre har mange af os dårlige rygge, så vi har været nødt til at opfinde strategier, der giver os mulighed for at arbejde med at sidde med et tegnebræt i skødet eller afstivet i en vinkel på en anden stol foran os. Jeg prøver at læne mig så langt tilbage som muligt fra mit bord for at reducere forvrængninger. Du vil især se en hel del lodret, fisk-øje forvrængning, når du ser din tegning fra en siddende position, men der er lidt visuel vridning, når du ser den fra side til side. Jeg opfordrer mine siddende studerende til at vende deres tegninger til siden hver gang. Når tegningen er vendt på sin side, kan du undersøge din skitserede figur i en jævn, forvrængningsfri, konstant vinkel fra dens hoved til dens tå.
Når det bruges omhyggeligt og sparsomt, kan dit spejl være et nyttigt værktøj. Desværre, hvis du holder dit spejl væk på den ene side af tegningen, vil det fordreje din optiske opfattelse af proportioner. Stol ikke helt på spejlet, ellers kan du opleve, at du ændrer nøjagtige former på tegningen for at reparere den falske, forvrængede version af skitsjen, som du ser i spejlet. Jeg opfordrer mine studerende til kun at bruge denne enhed, når de absolut har brug for det. Jeg beder dem om at bruge den, når de har en mistanke om tegningen - måske et øje er for lavt - og brug spejlet til at bekræfte eller benægte deres bekymringer. Hold dit spejl helt parallelt med din tegning, når du bruger det til at stille spørgsmål til proportioner. Nogle gange vil du se et problem i spejlet, som du ikke havde bemærket før. Du skal dog ikke ændre den, medmindre du også ser det som et problem, når du ser direkte på tegningen med det blotte øje.
For nogle kunstnere, der kan lide at tegne figuren fra livet, kan en times timers positur virke som en evighed, mens for andre kan en fire-ugers positur føles som fire blink af øjet. Ligegyldigt hvordan du definerer en "lang pose", tager det kun et par sekunder at ødelægge en lovende eller næsten færdig tegning. Det er som et spark i din tarm, når du indser, at du er gået ud over punktet uden tilbagevenden, hvor papiret falder fra hinanden og ingen sletning, ekstra gengivelse eller tilføjede linjer redder det.
|
|
|
| Læsning af viljen
af Charles Gibson, blæk. Gibson skitserede med tyndt fordelt blæklinier og producerede bløde atmosfæriske toner, der normalt er mere velegnede til et blandbart medium, såsom kul eller grafit. |
Præsentationen af Jimmys hvide dragt
af Jerome Witkin, 1987, trækul, 48 x 84. Saml kunstneren. Witkin gør god brug af alle sine materialer - hans kulblyant, viskelæder og papir - for at skabe en intenst omhyggelig tegning fyldt med interessante strukturer; gestusmæssigt stemningsfulde mærker, både strøg og smurt; dramatiske værdier og abstrakte former; og en atmosfærisk fornemmelse af dybt rum. |
Så hvordan redder du dig selv fra denne forfærdelige skæbne? I denne artikel vil jeg skitsere de mange faldgruber, som du sandsynligvis vil blive udsat for, hver gang du arbejder på en tegning i en time eller mere. Mere vigtigt, jeg vil beskrive et par af de mange strategier, du kan bruge til at undgå disse landminer og holde dine tegninger friske og levende. Alle taktikkerne på denne liste er lige så vigtige og præsenteres i en særlig rækkefølge af betydning. Du skal prøve at holde dem i tankerne samtidig, når du tegner en lang holdning, bortset fra det transcendente, alt vigtige første punkt, som du skal overveje, før du begynder at tegne: Definer dine mål!
Værdi-gengivelse
For mange kunstnere, især novice-realister, kan ikke vente med at komme ind i gengivelsesværdier. Nogle af dem begynder endda at modellere, før de er sikre på de forholdsmæssige forhold i deres figurtegning. Og når de først er startet, kan mange af disse "realister" ikke se ud til at stoppe med at gengive, før papiret er dækket flere lag dybt med tætte toner, og tegningen er længe død, kedelig og mudret overmoduleret ud over alt, hvad der er synligt i den virkelige verden. Markér advarselsordene fra de mange dygtige realister, der har forfulgt os: Den fulde kraft af transmitteret lys kan ikke fanges på et uigennemsigtigt stykke papir, og selv det mørkeste, sorteste stykke kul kan ikke engang tilnærme sig de fløjlsagtige dybder i modellens næsebor. Kunstnere kan ikke nøjagtigt transkribere tonaliteterne i den virkelige verden, værdi for værdi. Det mest, vi kan stræbe efter, er at etablere et forholdsmæssigt forhold mellem mørke og lysværdier på vores papir. Vi kan lægge så mange halvtone former i lysene, som vi vil, men vi er nødt til at holde dem lette nok som en gruppe, så de ikke forveksles med vores mørke skyggeformer. Vi kan ligeledes gengive så mange skyggemodulationer, som vi ønsker, men de er også nødt til at læse mørke nok som en værdi masse, så de ikke forveksles med de lyse former.
Forsøg at holde øje med alle gengivelsesmetoder. Mange mennesker kan lide at strejke i deres værdier med en let berøring og lade papirets tekstur vibrere under. Jeg kan godt lide at gøre det også, men nogle gange finder jeg dette vibrerende, spaltede overfladegitter, som statiske på et gammelt tv-apparat. Mange kunstnere bruger en stub til at gnide deres værdimasse ind i papirets dale. Jeg foretrækker at bruge min finger eller et vattet væv til at gnide ind i mine masser. Ingen tvivl om, at dunk, du lige har hørt, var lyden af en monokuleret kunstprofessor, der besvimte efter at have læst den sidste sætning, men hvis du konstant renser fingrene, vil du opdage, at de er et meget mere følsomt og præcist blandingsredskab end en stubbe - når en finger er snavset, har du ni flere tilgængelige punkter til rådighed. Når du er nødt til at blandes i en tæt form, der er for lille til din finger, kan du også pakke dit væv rundt om en skærpet blyant og bruge den som om det var en ultrasharp-erstatningsstubbe.
For mig selv kan jeg gerne give en hel del. Det kan være som en form for meditation for mig. Men jeg prøver at arbejde inden for rammerne af troværdighed, mens jeg gengiver; Jeg prøver at holde mine lys luftige, ikke for mørke og mudrede. For inspiration kan du undersøge kunstnere som Cézanne og Degas, der aktivt trak atmosfæren omkring deres modeller. De lader ofte konturerne og lysere halvtoner i deres figurer smelte ind i papirets hvide og sløre deres skyggeformer ind i det omgivende miljøs barker, fusionere figur og jord til en atmosfærisk helhed.
Materialer og værktøjer
Alt for mange kunstnere forsøger at tvinge deres materialer til at udføre en opgave, der er imod deres natur, såsom at prøve at tegne en delikat gengivelse på ru lagt papir eller forsøge at skabe et grafisk billede med høj kontrast med grafit, silverpoint eller farvet blyant. Sikker på, at du måske lykkes - men ikke uden en kamp, der sandsynligvis vil afspejle sig i frustrerede, kraftige linjer eller værdimasser. Tænk over, hvad materialerne betyder for dig, før du begynder at tegne. Når du har valgt det rigtige materiale til dine mål, skal du behandle dem med respekt. Bær dine papirkøb forsigtigt hjem fra butikken. Intet ødelægger en tegning hurtigere end et stykke papir med en skarp ding i den, især hvis bukken sidder, hvor du vil tegne funktionerne i modellen. De naturlige fedtstoffer i din hånd udgør en anden trussel mod dit papir. Selvom fedtpletter har en tendens til at være usynlige for øjet, får de grafitblyanter til at springe over og skabe plettet tonaliteter og pletter, når du prøver at gøre dem over med kul. Du kan bruge en mahlstick til at holde din hånd væk fra tegneoverfladen, men dette vil bremse dig, når du prøver at lægge i den indledende skitse og endnu senere, når du prøver at stryge i værdier masser. Fra starten er det normalt tilstrækkeligt at bare vaske hænderne - prøv ikke at spise kartoffelchips, mens du lægger på din tegning! Når du har dækket papiret med en begyndelsesskitse, skal du placere et lille, rent stykke papirpapir under din hånd, mens du tegner, så du ikke udtværer din blokering. Glem ikke at lægge flere papirstykker også under din tegning. Dette forhindrer, at tegnebrættets tekstur gnider gennem til den øverste overflade af tegningen, mens du arbejder.
|
|
|
| Stående mandlig nøgen
af Frederick Mac Monnies, 1885, trækul og grafit, 24? x 14. Samling Princeton University Art Museum, Princeton, New Jersey. |
Figurundersøgelse, Damaskus
af Deane G. Keller, 1998–1999, trækul, 43½ x 29. Samling Dorothy Bosh Keller. Foto af John Kleinhans. Skønt Keller skabte en følelse af volumen gennem delikat værdi gengivelse, mistede kunstneren aldrig det væsentlige abstrakte silhuet af den samlede figur. |
Mange lærere beder deres studerende om at undgå viskelædere, som om de er en form for snyderi. Nej, viskelædere er et værktøj som alle dine andre. Blandt deres mange nyttige applikationer kan du bruge dem til at rydde op i dine oprindelige konstruktionslinjer eller bruge dem som negative tegneværktøjer og strege slettede linjer til værdimasser. Når tonestrukturen eller linjearbejdet på din tegning virker for kraftig eller mørk, kan du tage et udjævnet æltet viskelæder og ved let at tappe overfladen på dit papir med det, lyser billedet op med et par lette bevægelser af hånden. Du kan endda bruge et hvidt viskelæder, som om det var en stub, der glider den flade side af redskabet over kuletoner for at udjævne dem. I disse dage finder viskelædere større accept som værktøjer, og mange virksomheder producerer dem i form af mekaniske blyanter til brugere. Ræk efter en af dem, når du vil arbejde særlig tynde linjer i en værdiform eller vil rydde op i et lille delikat område, der muligvis er sløret eller udslettet af et større viskelæder.
detaljer
Bare fordi du har mere tid til at gengive, betyder det ikke, at du absolut skal tegne hver tå og tånegl. Men hvis det er din interesse, skal du gøre det med en afgørende vilje. Mange kunstnere har ødelagt en ellers solid og energisk tegning ved tøvende at tegne en detalje, slette den, tegne den igen og derefter slette den igen. For de fleste kunstnere er de sandsynlige problemområder i figuren hænder og fødder. (Jeg dækkede hånden i sommeren 2007-tegning af højdepunkter i en artikel med titlen”Et portræt af hånden.”) Foden kunne også bruge en egen artikel, men de fleste af mine råd om hånden gælder også foden. Det hjælper med at visualisere hånden i en vante til at bestemme den store form, der indeholder alle interiørdetaljer. Forestil dig ligeledes foden dækket af en sok. Som med fingrene, hold de enkelte cifre enkle til at begynde med, og se de små tæer som en stor masse, lukket af en rektangulær underform.
Sammendragene
Du kan tabe dig ved kun at koncentrere dig om de overfladiske realiteter af modellen foran dig - især i en langposeret tegning. Du er nødt til at grave lidt dybere for at tage dig selv og din seer til det næste niveau af spænding. Overvej figurens hele abstrakte form. Hvis du arbejder alene, skal du rette modellen ind i en position, der producerer en interessant silhuet. Måske bygger du muligvis en positur ud af dramatiske kontraster, med lemmer, der går i alle retninger som en eksplosion (som i Deane Kellers figurundersøgelse, Damaskus), eller måske finder du en position bundet i den subtile kontrasterende bryst- og bækkenhældning, der findes i mange renæssancetegninger og i det 19. århundrede tegning af Mac Monnies (Standing Male Nude). Du har ikke meget kontrol, når du arbejder i en gruppe eller klasse, så hvis du ikke synes, at hele posituren er inspirerende, skal du muligvis gøre lidt beskæring og tegne et mindre område af figuren, der begejstrer dig for abstraktet niveau.
Og ikke bare tegne som om modellen er et livløst objekt. Prøv at bevidst lægge nogle tanke, følelser eller konceptuel idé bag i dit sind, når du analyserer modellens hovedlængder og værdiforhold. Mange kunstnere manipulerer deres tegninger til metaforer for en politisk, psykologisk eller sociologisk udsagn, men det behøver ikke at være kompliceret. Lad os for eksempel sige, at du er bekymret eller ophidset i dag over noget, der ikke er relateret til kunst. Kanaliser den følelse ind i tegningen, og uanset hvor dygtig eller ufaglært du er på den tekniske side, vil du i det mindste kommunikere en følelse af energi, der kommer fra dine underliggende følelser.
| Tag tegning med dig overalt… Når som helst! | |||||||||||||||||||||||
|
Sommer 2011 udgave kunst Round L af Whitfield Lovell 2006-2011, trækul på papir med vedhæftet kort, 12 x 9
|
|
Uanset om du går på en kunstskole, øver dig på at tegne på egen hånd eller er en erfaren kunstner, er Tegneblad den ene ressource, der giver dig et væld af inspiration til at hjælpe dig med at give din kunst et stærkt fundament. Med betagende kunst, der er oprettet i grafit, trækul, farveblyant, farvet blyant, pastel og andre materialer, er tegning en ressource, som du helt sikkert vil henvise til igen og igen. Du vil ikke gå glip af et enkelt problem. Så reserver et helt år (4 udgaver) af tegning i dag, og vælg det format, der bedst passer til din livsstil - Print eller Digital!
Med et abonnement på Tegning vil du:
Få alt dette og mere med et abonnement på Tegning. Og nu tilbyder vi dig dit valg af format! Hent den traditionelle printversion eller få den nye digitale version og tag tegning med dig overalt! |
|||||||||||||||||||||
|
I Søg efter Lost Times af Kate Sammons 2007, kul, 20 x 25
Med et digitalt abonnement kan du zoom ind for at forstørre skrifttypen eller for at se detaljen i en fremhævet tegning. |
Med et digitalt abonnement får du al inspiration og nyttige teknikker, som tegning er kendt for, men nu kan du få den med mere alsidighed og bekvemmelighed! Du kan få adgang til dine tegningsmagasiner fra hvor som helst med Zinio, verdens største digitale aviskiosk og boghandel.
Du bliver aldrig uden dine yndlingsinstruktioner, demonstrationer eller inspiration igen! Få adgang til dit digitale abonnement på din pc, Mac, iPad eller Android-enhed med Zinio, verdens største digitale aviskiosk og boghandel.
| ||||||||||||||||||||||
