Et af Carla O'Connors mål i en workshop er at overtale eleverne til at stoppe med at tænke på værktøjerne i watermediamaleri - penslerne, malingen og papiret - og at fokusere på udtryk. For hende er det at fokusere på materialer som at spørge sig selv om en stor forfatter har brugt en nr. 2 blyant, en kuglepen eller en computer til at afsløre hans eller hendes dybtgående tanker.
Hvis du vil læse flere funktioner som dette, kan du abonnere på Watercolor i dag!
af M. Stephen Doherty
|
|
| New York-model
2007, akvarel og gouache, 30 x 20. Alle illustrationer i denne artikel samling kunstneren medmindre andet er angivet. |
Studerende på mine workshops kan blive meget forstyrrede over at se mig løbende anvende og derefter vaske lag af gouache ud,”siger Carla O'Connor.”De synes, jeg burde være mere bevidst. Hvad jeg skal forklare, er, at processen er en væsentlig del af, hvordan jeg udtrykker mig. Hvem er der ligeglad med, hvis jeg bruger materialerne økonomisk, hvis jeg slutter med et maleri, der ikke betyder noget for mig?”
Den tilsyneladende målløse proces giver O'Connor mulighed for at skabe mesterlige malerier, der genklang med andre kunstnere, udstillingsdommere, kuratorer og samlere. Bare sidste år blev hun inviteret til at gennemføre 15 workshops, bedømme fire internationale udstillinger, deltage i tre gruppeshow og hjælpe med at bedømme priserne for American Watercolor Society's 2008-udstilling. En af disse gruppeudstillinger, Invitational Exhibition of Contemporary International Watermedia Masters, rejser fortsat gennem Kina og Taiwan og blev dokumenteret i en 76-siders bog.
O'Connor har den bemærkelsesværdige evne til at integrere repræsentative figurer i abstrakte billedrum, en tilgang, hun har arbejdet hårdt for at udvikle i løbet af sin karriere.”På et eller andet niveau behandler enhver kunstner de abstrakte kvaliteter ved billeder og illusionen af en tredimensionel virkelighed på en todimensionel overflade,” kommenterer hun.”For mig har jeg næsten altid brug for at forholde det, jeg laver, til en menneskelig form, og oftere end ikke er den form en kvinde. Nogle gange maler jeg mænd og børn, men jeg oplever verden som en kvinde, og det er det bedste referencepunkt for mig.”
| SingleTitle Small |
Kunstneren introducerer figurer på en af to måder, enten i begyndelsen af den kreative proces eller efter en rig overflade af farver, figurer, linjer og teksturer er veletableret.”Jeg kan ikke forklare, hvorfor jeg følger den ene eller den anden tilgang, men undertiden starter jeg med en figur, der bliver nøglen til maleriet; andre gange forfølger jeg en mere intuitiv metode til at lade en figur komme ud i et maleri og overraske mig,”forklarer O'Connor.”Figurerne er normalt baseret på tegninger eller malerier lavet af en model, der poserede på et værksted, eller en person, jeg hyrede for at komme til mit studie, så jeg kunne fotografere hende i sort / hvid. Hvis modelens position eller udtrykket på hendes ansigt antyder noget for mig, starter jeg maleriet ved at etablere hendes form på papiret og derefter opbygge maleriet omkring hende. Jeg reagerer måske på forslag om, at hendes krop drejer, bøjes, strækker sig eller hænger ned; eller jeg har måske empati med de følelser, der udtrykkes i hendes ansigt, stemme eller bevægelser, og disse bliver grunden til at male billedet.
|
|
| Hellige sten
2006, gouache, 30 x 22. |
”Motivationen til at male kan være noget så simpelt som formen på en modellens T-shirt eller den elegante forlængelse af hendes arme,” fortsætter kunstneren.”Medmindre jeg føler en stærk følelsesmæssig forbindelse til den person, der har brug for at blive indholdet af maleriet, vurderer jeg bare formerne i modellens krop, tøj og miljø. Ikke hvert maleri oser af indhold, men der er altid en besked, der skal opdages og formidles gennem modellens kropssprog og de mønstre, jeg skaber omkring hende for at understøtte det.
”Den anden tilgang er at tilføje figuren senere i maleriet og sikre, at den menneskelige form ikke er den dominerende del af maleriet,” tilføjer O'Connor.”Jeg lægger bare en farve ned, tilføjer en anden, vasker malingen og gentager denne proces, indtil jeg er tilfreds med former, mønstre, teksturer og farver. Gennem disse stadier prøver jeg at undgå at visualisere det færdige maleri, fordi jeg ikke ønsker, at nogen af mine beslutninger skal træffes i påvente af, hvad der måtte komme næste.
”Fordi jeg synes, det er vigtigt at forblive i øjeblikket og ikke forudse den kreative proces, anbefaler jeg studerende at identificere det mest indlysende fokuspunkt i det emne, de overvejer, og træffe en bevidst beslutning om at ignorere den,” siger O'Connor.”Jeg vil have dem til at opdage og udvikle noget uventet, når de maler. Derfor begynder jeg undertiden mine malerier ved at anvende og vaske gouache og derefter introducere en figur på et usædvanligt sted, så det understøtter, men ikke overvælder kompositionen.
|
|
|
|
| Undermaling for tidsrejsende
Det oprindelige design til maleriet var baseret på tegninger af en model. |
Tid rejsende i gang
O'Connor påførte lag med gouache, vaskede noget af malingen og opbyggede yderligere lag. |
Tid rejsende
2007, blandet watermedia, 30 x 22. |
”Med begge metoder til at male, prøver jeg at forblive fokuseret på at nyde processen og ikke sætte et mål om at fremstille et produkt,” understreger O'Connor.”For ofte behandler kunstnere maleriet som om de udførte en opgave snarere end at nyde en oplevelse. Jeg forstår, at det er svært at skifte fra en levetid bekymring for at nå mål og måle ens resultater i form af penge, priser eller anerkendelser; men at skabe meningsfuld kunst har intet at gøre med den slags proces, og den kan heller ikke måles efter en objektiv, kvantificerbar standard. Det er svært at acceptere for mange mennesker, men når de først gør det, er de frie til at være virkelig kreative.”
|
|
| Anden chancer
2007, akvarel og gouache, 20 x 30. |
O'Connor har mange klare ideer om, hvordan hun muligvis kan hjælpe andre kunstnere med at få mere glæde af den kreative proces, og det er en af grundene til, at hun er villig til at gennemføre så mange workshops, og hvorfor studerende vender tilbage til at arbejde med sit år efter år.”En af de bedste måder at vokse og udvikle sig som kunstner på er at undervise en anden, og jeg har bestemt lært om mig selv, da jeg har prøvet at hjælpe andre,” forklarer hun. "Den kreative proces er næsten 80 procent mental og 20 procent fysisk."
Denne afklaring sker i et meget struktureret workshop-program, der inkluderer mini-demonstrationer, klare henstillinger, gruppediskussioner og individuelle samtaler.”Jeg foreslår, at folk tager en ny identitet, når de deltager i et af mine workshops,” siger O'Connor.”Jeg vil have dem til at være parat til at prøve noget helt nyt. Jeg formoder, at de tilmeldte sig et workshop med Carla O'Connor eller en anden, fordi de vil lære af den instruktør. Hvorfor bruge al den tid og penge på at tage en workshop, hvis den studerende kun har til hensigt at demonstrere, hvad han eller hun allerede ved?”
|
|
| Spirit Pouch
2006, blandet watermedia, 30 x 22. Samling Mr. Alan Long. |
”Min malerproces er så åben, at jeg ikke engang forsøger at afslutte et maleri under en af de demonstrationer, jeg tilbyder en klasse,” tilføjer O'Connor.”Det er en proces med prøve og fejl - frem og tilbage, læg den ned, løft den af, eksperiment - indtil al den indsats, der bruges til at fremstille maleriet, ikke længere er synlig. Der er så mange ændringer, der finder sted, at studerende kan blive forvirrede, frustrerede og sommetider kede sig, hvis jeg får dem til at sidde gennem det hele. I stedet for laver jeg bare korte demonstrationer af specifikke ideer, materialer og tilgange for at illustrere nogle af de punkter, jeg dækker i samtalen. Jeg går måske tilbage og arbejder på det samme maleri, men kun hvis der er et punkt, jeg kan gøre, kan det være nyttigt for deltagerne.
”Hvis en model poserer til værkstedet, insisterer jeg på, at folk arbejder og ikke spilder tid på at chatte, bryde for snacks eller lade sig distrahere,” siger O'Connor.”Vi betaler for modellens tid, og vi skal have en samling tegninger til rådighed, når vi begynder at male, så det er bydende nødvendigt, at vi drager fuld fordel af muligheden for at tegne. Modellen er en dyrebar vare, og tegning er grundlaget for al kunst.”
O'Connor arbejdede for nylig med Creative Catalyst Productions (www.ccpvideos.com), en producent af fremragende DVD-kunstinstruktionsprogrammer, der indeholder nogle af landets bedste instruktører.”Producenterne gjorde et så stort stykke arbejde, at jeg er sikker på, at seerne vil tro, at de bare gik ind i mit studie, mens jeg arbejdede; men som de fleste filmede programmer var det faktisk en meget mere kompliceret procedure, end nogen kunne forestille sig,”forklarer kunstneren.”Jeg var i et helt lydisoleret studie under varmt lys med fem kameraer rettet mod mig, og jeg måtte stå på et mærke, der er angivet på studiegulvet uden at kunne gå rundt. Efter en meget lang dag med filmoptagelse, lagrede redaktørerne det hele sammen, så det var et problemfrit, hurtigt bevægende program fyldt med værdifuld information for kunstnere i watermedia - især fordi DVD-teknologien giver dem mulighed for at stoppe, fryse-ramme, spole tilbage og genstarte programmet; eller de kan vælge de kapitler, de mest gerne vil se igen. Det er som at have din egen private instruktør, der vil gentage alt, hvad du vil se igen, eller som vil stoppe med at male, så du kan se på hendes arbejde så længe du vil. Det er virkelig fantastisk.”
|
|
| Rejsende
2007, akvarel og gouache, 32 x 32. |
