Når man studerer tegning, kan det være nyttigt at lære af mestre, der kom før, for at få inspiration og finde måder til at nærme sig udfordringer, der opstår. For dem, der opdager tegning, er der adskillige mestertegnere, man kan lære af.
af Naomi Ekperigin
|
|
| Portræt af Madame d'Haussonville
af Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Samling Fogg Art Museum ved Harvard University, Cambridge, Massachusetts. |
”Jeg tror, at tegning er grundlaget for al kunst,” siger kunstner Mary Reilly. Hun er ikke alene om dette synspunkt. Mange kunstnere mener, at tegneevner er afgørende for at arbejde i ethvert medium, selvom tegning ikke er ens primære interesse. Fra tidligt var der kunstnere, der værdsatte tegninger som afsluttede værker i deres egen ret. Disse kunstnere hævede mediet yderligere og demonstrerede bredden af muligheder, der var tilgængelige for dem, der ønskede at udforske tegningen yderligere.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Den franske neoklassiske maler Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) var en født tegner. Fra en tidlig alder plejede hans far sine evner i at tegne, og klokken 17 rejste Ingres til Paris for at studere under Jacques-Louis David, som var Napoleons officielle "kunstzar" under den franske revolution. Selvom han er dybt påvirket af renæssancemaler Raphael og en begavet maler selv, er det Ingres tegninger og portrætter, som han er bedst kendt for.
Ingres flyttede til Italien i 1808 efter at have vundet Grand Prix de Rom, Frankrigs øverste kunststipendium. Der fandt han sin håndværk inspireret af Old Masters arbejde. For at forsørge sig selv og sin kone accepterede han malerkommissioner fra staten og afsluttede hundredevis af grafitportrætter for turister, rejsehøjtægter og velhavende emigranter. Disse små portrætter er "store kunstværker, der fanges i et mirakel af talent, funktioner, poser, kostumer, atmosfære og karakter, " skrev kunsthistoriker Stephen Longstreet.”Folket er ægte. De indånder og findes solidt på jorden.”
|
|
| Arkundersøgelser af kvinder til det tyrkiske bad
af Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, pen, brunt blæk og grafit på to sammenføjede ark 6¾ x 4¾. Saml Louvre, Paris, Frankrig. |
Evnen til at fange virkeligheden skyldtes hans tekniske dygtighed og fortrolighed med anatomi. Med sådan en medfødt viden om den menneskelige form, kunne kunstneren korrekt gengive gardiner på en måde, der fulgte kroppens form i enhver fold og fold. Kunstnerens evne til at fange en lighed kom fra hans hengivenhed til nøjagtighed, som han udviklede gennem tegning. Ingres var en tvangsmæssig skuffe og opfordrede eleverne til at tegne med deres øjne, når de ikke kunne gøre det med en blyant. Til sine malede portrætter og vægmalerier lavede han undertiden hundredvis af forberedende tegninger. Han syntes at finde dette trin i processen mere tilfredsstillende end selve maleriet af murmalerier, som han undertiden opgav.”Stadierne var: at studere fra livet, skifte sandhed fra oplevelsen, kvadrere, forstørre, transportere på lærred, gå tilbage, om nødvendigt til modellen til denne eller den detalje,” skrev Avigdor Arikha i JAD Ingres: Fifty Life Drawings From Musée Ingres på Montauban, kataloget for en udstilling på Museum of Fine Arts, Houston.”Bed graven de Pastoret om hans handsker eller gå tilbage til Madame Moitessiers venstre arm, tegne den i størrelse så den transponeres direkte på lærred og går tilbage til den igen og igen. Dette var, da Ingres fik klemt. Det var en overdrevent - næsten besat - proces, hvis mål var at komme nærmere sandheden i sagen.”
Kunstnere på alle niveauer kan lære af Ingres opmærksomhed på detaljer. Hans arbejdsetik var beundringsværdig, og han skabte tegninger, der både var teknisk behagelige og følelsesmæssigt resonante.”Af alle de mestre, jeg har studeret, har jeg mest nydt at arbejde med Ingres,” siger Reilly.”Ingres foretrukne materialer var den skarpspændte grafitblyant og glat hvidt papir. Han mente, at farve ikke kun var et tilbehør til tegning. For ham var tegning ikke kun linjen. Det var udtrykket, den indre form, kompositionen og modelleringen.”Det er denne opfattelse, der har påvirket det 20. århundredes moderne kunst og generationer af kunstnere fra Degas til Dinnerstein.
|
|
| Siddende nøgen kvinde
af Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Saml Metropolitan Museum of Art, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Som Ingres blev Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) hyldet som maler, men tegning var grundlaget for hans arbejde. På sin tid, der er kendt for sine allegoriske og mytologiske malerier, er det nu hans figurtegninger, der inspirerer og bedøver seerne. Som kunststuderende på Dijon Academy i de tidlige 1780'ere viet Prud'hon sig til den strenge træning i tegning, der blev anset for at være nødvendig for alle dem, der håbede på en succesrig karriere som kunstner. Académies - figurer, der er trukket ud fra den levende model - var den måde, hvorpå studerende fandt deres færdigheder, og gennemførte hundredevis af disse tegninger, da de var klar til at udøve deres erhverv. Processen tog år og udslettet et antal aspiranter, enten på grund af manglende dedikation eller talent. Selvom denne strenge og langvarige træning kan virke besværlig for nutidens studerende, var disse figurtegninger afgørende for kunstnere, hvoraf mange skabte disse studier gennem deres karriere for ideer og praksis.
|
|
| Académie af en siddende mand
af Pierre-Paul Prud'hon, sort og hvid kridt på blåt papir, 14 9/17 x 10 ?. Collection Museé Baron Martin, Grå, Frankrig. |
Prud'hon var en sådan kunstner, og mere end hans samtidige klamrede han sig til akadémierne gennem hele sin karriere. Det, der måske er endnu mere bemærkelsesværdigt, er, at Prud'hon kom til at favorisere disse figurtegninger frem for færdige malerier, selv når hans karriere gik fremad. I 1788 havde kunstneren udviklet en signaturstil med figurer tegnet i farvet kridt på tonet papir. Tegningerne er ofte bygget op i flere lag, inklusive klækning og brede passager af toning og stumping. Ved at blande linjer, toner og forskellige teknikker præsenterede Prud'hon kunstnere med det fulde udvalg af udtrykksfulde muligheder for kridt og papir.”Prud'hons undersøgelser formidler en stærk følelse af følelser,” siger Reilly.”Hans mærker virker løse og frie, men de er perfekt placeret.” Enigter kunstner Kenneth Procter, “Prud'hon afsluttede nogle tegninger, hvor kernen i skyggen løber som en stribe ned langs hele posisjonslængden og afslører enhver nuance af muskler -Det er absolut forbløffende. “Med sin viden om den menneskelige krop, der var så dybt indgroet, kunne han fokusere på sit emne og give ham eller hende liv, markere hurtigt og reagere straks på sine egne tanker uden at bekymre sig om anatomi eller verisimilitude.
I en tidlig alder tilføjede Prud'hon”Paul” til sit navn til ære for den flamske maler Peter Paul Rubens (1577–1640), der også var mesterudkastmand. Prud'hon delte kunstnerens kærlighed til den menneskelige figur og dybdegående viden om anatomi, men det er her deres ligheder ender. Rubens var en talsmand for barokken, kendt for sin vægt på farve, overdådige detaljer og dynamiske bevægelser. Prud'hon på den anden side fjernede dramatisk bevægelse og fokuserede på den måde lys bevægede sig hen over former. Hvad Prud'hon imidlertid lærte af sin forgænger er vigtigheden af konstant at skabe nyt arbejde, uanset stil. Rubens var en af de mest produktive og forskelligartede kunstnere i sin tid med et output, der omfattede altertavler, historiemalerier, portrætter og landskaber samt bogillustrationer og arkitektonisk design.
|
|
|
| Antagelsen af Jomfruen
af Peter Paul Rubens, ca. 1612, brun blæk og brun vask, hvid kropsfarve og sort kridt på brun papir, 11? x 9 ?. Samling Albertina Museum Wien, Østrig. |
Siddende ung kvinde med løftede arme
af Peter Paul Rubens, 1631–1632, sort og rød kridt med hvid højere, 16 x 19 11/16. Collection Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Tyskland. |
Peter Paul Rubens
Derudover producerede kunstneren hundreder af tegninger, der spillede en række bærende roller i sit arbejde helt fra starten af sin karriere. Som ung kunstner brugte han meget af sin tid på at kopiere mesterværker; en flytning til Italien i 1600 flyttede sit emne til renæssancemestrenes arbejde. Formålet med at tegne værker af Titian, Michelangelo og Raphael var ikke blot at lære. Som kunstnerinstruktør John A. Parks bemærker:”Det var faktisk et forsøg på at ransakke den tilgængelige ikonografi og kompositioner, så han kunne samle et personligt billedbibliotek til senere brug. Hvad kunstneren mest værdsatte i disse tegninger var ikke deres personlige kalligrafi eller gengivelseskvalitet, men blot deres designinformation.”
Rubens brugte dette billedbibliotek til at tjene som inspiration til de store altertavler, han fik til opgave at skabe. Han begyndte disse store værker med en foreløbig tegning i sort eller brun kridt, derefter skabte han en olieskitse. Efter dette vendte kunstneren tilbage til tegningen og lavede større stykker af levende modeller ved hjælp af sort kridt. Denne større tegning gjorde det muligt for ham at inkludere mere detaljerede og anatomiske nøjagtighed og tilføre sit emne en livlighed, som barokke kunstnere var stolte af.
Selvom Rubens sandsynligvis ikke har tænkt meget på sine tegninger, kan kunstnere i dag hente meget fra sine forberedende værker. Hans tegninger tjente til at berige hans malerier og hjalp ham i alle faser af processen. Da han omsider satte olie på lærred, havde han en klar vision og var sikker på, hvordan han skal udføres. Gennem tegning udvidede Rubens sit visuelle ordforråd, så han kunne skabe hundredevis af strålende værker.
|
|
| Kvinde med død barn
af Käthe Kollwitz, 1903, ætsning. Samling af Nationalgalleriet Art, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Den tyske maler, trykkerier og billedhugger Käthe Kollwitz (1867–1945) er måske bedre kendt for sit emne end hendes dygtighed. Hendes ætsninger, litografier og tegninger var primært af arbejderklassens mennesker, hun så omkring sig, og hun præsenterede seerne for bevægelige beretninger om menneskelig lidelse og kamp. Hendes dybe følelsesmæssige forbindelse til sine emner gjorde det muligt for hende at skabe kunst, der stadig resonerer hos publikum i dag, og som kan inspirere kunstnere, der ønsker at tackle personlige og / eller politiske emner.”Jeg blev taget af Kollwitz 'tidlige arbejde og den dybde af form, hun fik fra sit rigelige linjearbejde,” siger kunstner og instruktør Dan Gheno.”Jeg satte også pris på den følelsesmæssige styrke i hendes arbejde. Hun lærte mig, at jeg kunne gå meget længere end overfladeformen, hvis jeg kiggede inde i mig selv.”
|
|
| Selvportræt
af Käthe Kollwitz, 1924, litograf. |
Kollwitz arbejdede ofte i cykler og tog fat på emnet historiske oprør og ændringer. Den første af disse serier var The Weavers, der bestod af tre litografier og tre ætsninger baseret på den tyske dramatiker Gerhart Hauptmanns dramatisering af den mislykkede oprør i 1842. Kollwitz 'værker var ikke en bogstavelig illustration af de historiske fakta eller Hauptmanns tilpasning; I stedet fokuserede hun på arbejdernes elendighed, håb og styrke. Da disse stykker blev udstillet for offentligheden i 1898, fik kunstneren stor anerkendelse, og det er stadig et af hendes mest berømte projekter. Dette blev senere efterfulgt af hendes serie Peasants 'War (1902-1908), baseret på de tyske bønderes oprør 1522-1525. På tidspunktet for denne serie blev kunstneren betragtet som en af de vigtigste tyske grafikere i sin tid.
Ud over at variere sit emne, udforskede Kollwitz en række teknikker inden for trykning med disse serier, herunder fotoetsning, intaglio og litografisk litografisk udskrivning. På dette tidspunkt forenklede hun sit arbejde og efterlod sin meget detaljerede realistiske tilgang til fordel for en følelsesfortælling. Det er denne forpligtelse til humanistiske temaer og en følelsesmæssig forbindelse, der hjælper med at skelne Kollwitz 'arbejde.
|
|
| Portræt af Igor Stravinsky
af Pablo Picasso, 1920, grafit, Collection Museé Picasso, Paris, Frankrig. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) er en kunstner af international anerkendelse, en der boede i Europa i turbulente tider og brugte sin kunst til at fortolke de hurtige, og til tider voldelige, ændringer, der fandt sted omkring ham. Mens kunstneren afsluttede hundreder af malerier, som han er kendt for, er hans tegninger kernen i hans arbejde.”Hjertet i Picassos udvikling som kunstner og ikon ligger i hans udformning - det var her hans eksperimentering og visuelle gennembrud blev genereret,” siger kunstner og lærer Lisa Dinhofer. En kunstner med dybtgående kendskab til de grundlæggende og omfattende akademiske uddannelser var Picasso i stand til at dekonstruere et emne, hvilket gjorde det på de færreste nødvendige linjer og nå frem til dets essens.”Det kræver det detaljerede kendskab til en mesterskriver for at fremstille et objekt i sin enkleste form,” siger Dinhofer.”Ikke med et blødgjort Conté-mærke, ikke med en kløftet opbygning af volumen, ikke i lagdelte nuancer af grafit for at modellere et område, men en direkte linje, der formidler al form og rum.”
|
|
| Nusch Eluard
af Pablo Picasso, 1938, trækul og grafit på lærred. |
Picassos linjearbejde angav de indre og ydre former for sit emne, og han kunne fylde billedplanet ved at fjerne volumetriske detaljer. Dette kan ses i portrætter som Max Jacob, portræt af Erik Satie og Helena Rubenstein. Ser man på hans eksperimentering med linje og figurer, kan kunstnere forstå, hvordan Picasso tvang seerne til at se objekter på nye måder og stadig skubber vores grænser i dag. Hans mesterværke Guernica, der blev oprettet i 1937, udtrykker kunstnerens skiftende teorier og eksperimenterer med linje. Som Dinhofer bemærker:”Kompositionen er udelukkende baseret på sammenlægning af rum og linje. Det afbildede interiør og landskab er fladet og skubber alle figurer til forgrunden. Resultatet er et overvældende overfald… udført med en dristig, ubrudt linje, udskårne figurer og et komprimeret billedplan.”
