|
| Lobsterman, Maine
2007, akvarel, 15 x 22. Alle illustrationer i denne artikelsamling kunstneren, medmindre andet er angivet. |
Denne kunstner og lærer anbefaler at male løst og dristigt, en tilgang, der har defineret hans karriere.
Akvarel: Hvordan kom du i gang med akvarel?
Mel Stabin: Det hele startede med Edgar Whitney, som var min professor og mentor ved Pratt Institute, hvor jeg malede figuren i akvarel. Han tændte ilden. Jeg studerede også med Ed i seks år og malede landskaber på stedet.
WC: Hvordan var det at studere med Edgar Whitney? Hvad var det vigtigste, han lærte dig?
MS: Ed havde en fantastisk personlighed. Han havde stærke overbevisninger om kunst og liv, som han præsenterede på en stærk og dramatisk måde for sine studerende. Når jeg søgte efter essensen af et emne, inden det malede, var det en af de mest mindeværdige ting, jeg lærte fra Ed.
WC: Hvad er dine kriterier for valg af et emne?
MS: Jeg reagerer først på min øjeblikkelige reaktion på emnet. Jeg føler det enten eller ikke. Derefter overvejer jeg malerimulighederne med hensyn til designprincipperne for sammensætning, farve, værdi og så videre. Motiver kan variere fra figurer til landskaber til stilleben.
WC: Hvordan bestemmer du for din position for dine figurmalerier?
MS: Hvis modellen er kvalificeret, skaber hun eller han posituren. Hvis modellen ikke er særlig erfaren, designer jeg en positur. Jeg foretager små justeringer af bevægelser og belysning. For klædte modeller foreslår jeg et par ændringer i garderobe, der er interessante i form, farve og tekstur.
|
|
| Tagdækkere
2005, akvarel, 15 x 22. |
WC: Beskriv hvordan du designer en komposition
MS: Udfordringen er at oversætte et tredimensionelt emne til en todimensionel overflade. Det er den første overvejelse at beslutte, hvor motivets store figurer ligger på papiret og deres forhold til hinanden. Derefter kan jeg etablere kompositionens dynamik med dominerende former og rytmer.
WC: Beskriv kort din malerproces.
MS: Jeg starter med en afslappet tilgang, så farver kan blandes sammen med hinanden på en abstrakt måde. Jeg opretter først de store former for farve og værdi. Når sammenhængen mellem former, farve og værdi er etableret, tager jeg hensyn til detaljerne.
WC: I dine bøger går du ind for en spontan, men fokuseret tilgang. Hvad er fordelene ved at arbejde på denne måde?
MS: Der er en tendens til, at kunstnere strammes op i begyndelsen af et maleri. At udnytte den unikke skønhed i akvarellemediet, at være spontan i ens tilgang til et maleri og meget fokuseret på essensen af emnet vil resultere i et troværdigt stykke arbejde. Akvarel er bedst når den frigøres.
WC: Hvad er dit råd til kunstnere om at arbejde med farve?
MS: Af alle de elementer, der er involveret i maleriet, er farve den mest udtryksfulde, og valget er personligt. Vær tro mod dine egne følelser omkring farve, men baser dine valg på viden. Vær bekendt med farvehjulet. Eksperimenter med variationer i farve, såsom komplementære farver, analoge farver og tertiære farver. Efter et stykke tid bliver valg af farver, og hvordan du bruger dem, intuitivt.
|
|
| Vaskedag i San Miguel
2005, akvarel, 15 x 22. Samling Eli Neuberger. |
WC: Papirets hvide ser ud til at spille en særlig kritisk rolle i dine malerier. Hvad er din teknik til at bevare de hvide, og hvorfor synes du det er vigtigt at få overfladen til papiret til at arbejde for kunstneren på denne måde?
MS: Af de tre vigtigste værdier i maleriet - hvid, midtone og sort - er hvid den mest aggressive. Derfor bør relationer og rytmer af hvide former planlægges forude for at skabe et dynamisk maleri. I transparent akvarelmaling tilføjer hvid ofte gnistre til overfladen. Min præference for at oprette hvide former er at skære rundt omkring dem med en pensel, så kanterne på figurerne kan kontrolleres. Der er tidspunkter, hvor en form skal have en blød kant, en tørbørste kant eller en hård kant. Hvis en kunstner udvikler fingerfærdighed med en pensel, kan de mindste hvide former oprettes let.
WC: Hvor vigtigt er det, at en kunstner udvikler en karakteristisk stil?
MS: Ens egen personlige stil vil udvikle sig med produktionen. En stil afspejler kunstneren som individ. Jeg vil tilskynde til fortrolighed med kunstskoler, der er af interesse, men pas på at efterligne en anden kunstners stil. Vær dig selv.
