Den fjerde i en eksklusiv serie i Daily Artist:
Masters of American Watercolor - Mary Whyte
Portrait Society of America har meddelt, at Mary Whyte
er modtageren af sin guldmedalje i 2016. Prisen er foreningens største ære.
Hvordan blev du interesseret i akvarel?
Jeg oplevede først akvarel, da jeg var i en syvende klasse efter skolekunst. Vi var uden for at male et landskab, og jeg dybt forsinkede min børste ved papiret. Jeg kan huske, at læreren tog min hånd med den fyldte børste og lavede et fedt, krumt slag over hele himmelafsnittet i maleriet. For mig så det ud som en farverig komet, der streber hen over himlen og efterlader en hale med små gnister af hvidt papir. Jeg er aldrig kommet over den følelse af begejstring, når jeg maler med akvarel.
Jeg forstår, at du lærte dig selv akvarelmalning. Hvordan gjorde du det?
I halvfjerdserne og firserne var der ingen online videoer eller instruktions-DVD'er tilgængelige om akvarelteknik. Akvarel blev ikke (og er stadig ikke) traditionelt undervist i mange af akademierne, da det altid har været betragtet som et "letvægtigt" medium. Dengang kunne jeg ikke finde nogen til at lære mig akvarel, så jeg lærte forskellige teknikker på egen hånd ved at studere kunstbøger og gå på museer. Jeg lærte ved at eksperimentere, prøve og masser af fejl.
Hvem var de akvarelkunstnere, der inspirerede dig mest?
De akvarelkunstnere, der inspirerede mig mest, var Andrew Wyeth, John Singer Sargent, Winslow Homer og Henry Casselli.
Dine malerier afspejler en oprigtig interesse for mennesker. Hvordan vælger du dine emner?
Jeg har altid været interesseret i at male mennesker. Jeg vælger emner, som jeg føler har en dybtgående, uanset kvalitet. Gennemsnitligt appellerer folk, der lever deres liv, stort set ubemærket til mig mest.
Du har sagt, at en kunstner skal lære at føle sig såvel som hvordan man ser. Kan du forklare det for os?
Der er tre komponenter til at skabe ekspressivt arbejde. Den første er at lære at male, hvilket betyder at lære ordforrådet for komposition og teknik. Det andet aspekt er at lære at se, som relaterer til at skelne nuancerne i værdi, farve, form og lys. Det tredje aspekt er at lære at genkende, hvordan og hvad vi føler, og oversætte den særlige fornemmelse og følelser til et udtryksfuldt og meningsfuldt kunstværk. Denne sidste komponent er det, der i sidste ende definerer stor kunst - som er et værk, der illustrerer, hvad der er essentielt for kunstneren og mærkes af seeren.
Dit arbejde er kendt for dets stærke design. Gør du små foreløbige grove undersøgelser og værdiundersøgelser?
Design er en vigtig komponent i maleriet og overses for ofte af kunstnere. For mig er den mest kritiske del af at lave et maleri i de forberedende miniatureskitser. Her gøres konceptet klart ved at have et kortfattet design, dominerende form og forenklede værdier.
Arbejder du både fra livet og fra fotos?
Ideelt set ville jeg elske at færdiggøre alle mine malerier fra livet, da det er her og når rå følelser og nuance af farve er mest tydelige. Da jeg ofte maler folk på jobbet eller i bevægelse, er det ikke muligt at have dem i ro i timer.
Generelt foretrækker jeg at undersøge beliggenhed fra livet, derefter tage flere fotos til reference, og til sidst planlægge og afslutte maleriet i studiet. Fotografierne giver mig mere information om modellens udseende samt forslag til baggrund og kompositionselementer. Jeg stoler på min hukommelse og fantasi med hensyn til hvad der måtte være, og rediger derefter mest alt andet. Aldrig er et maleri nøjagtigt det, jeg så, men det er altid det, jeg følte.
Hvor meget foreløbig tegning laver du til dine store studiemalerier?
I akvarel er der meget lidt plads til fejl, så det er vigtigt at have en godt planlagt tegning på forhånd. I store baggrundsområder tegner jeg meget lidt, men i komplicerede og detaljerede områder såsom ansigter tegner jeg omhyggeligt de beskrivende værdiformer, inden jeg begynder at male. At have en passende tegning på papiret på forhånd er som at have en køreplan, og giver mig tilliden til at kunne male hurtigt og på én gang.
Hvilken størrelse børster bruger du - generelt den største og den mindste?
Studerende er ofte overrasket over at høre, at den mindste børste, jeg bruger, er en nummer 8 runde kolinsky. Den elastiske børste kommer til et perfekt punkt, så jeg kan male omkring en lille øjenvippe eller gøre et bredere slag. Børsten jeg bruger er lavet af ArtXpress og er i min hånd 80% af tiden. Andre børster, jeg bruger, er brede to eller tre tommer flade børster, en 1 tommer kattetunge (også lavet af ArtXpress) og en gammel tandbørste til skrubning.
Til dine mere kontrollerede områder bygger du normalt farven og intensiteten i lag?
Jeg ved, at mange kunstnere lag akvarel i successive glasurer. Jeg foretrækker at male området i “én gang” for at bevare farvenes friskhed. Selv min mørkeste baggrund er generelt udført med kun et pass, så området ser ud til at have mere atmosfære og dybde. Detaljer males langsomt.
Har du nogle farver, du stoler på gang på gang - og andre, du prøver at undgå?
Der er mange gode mærker af akvarel til rådighed for kunstnere i disse dage. Min egen personlige præference er maling lavet af M. Graham & Company. Bortset fra de pigmenter, der falmer, er der ingen "dårlige" farver - bare farver, der bruges på det forkerte sted. Jeg foretrækker at bruge mere gennemsigtige farver til maling af den gennemsigtige hudkvalitet og mere uigennemsigtige farver til maling af virkningerne af faste overflader som beton, bark eller snavs.
Hvilket papir foretrækker du generelt - brand, koldpresse, varm presse osv.?
Jeg har prøvet mange slags papir, men vender stadig tilbage til Arches kolde presse for dens struktur og modstandsdygtighed overfor skrubbe. Jeg foreslår, at kunstnere fortsat prøver forskellige papirer, for at finde, hvad der er bedst egnet til deres stil, samt til lejlighedsvis at blive udfordret af en overflade, der er ny og anderledes.
Forbereder du dit papir på nogen måde - befugt det, strækker det osv?
Jeg foretrækker generelt tungere papir såsom 300 pund, som ikke behøver at strækkes, da jeg tager en hæftekanon, når man rejser, tilføjer ekstra vægt. Dog i studiet hæfter jeg og bånder jeg mit papir ned på gatorpladen. At have det store papir godt forankret giver mig en stabil, flad overflade egnet til maling af store vaske.
Hvad er det bedste råd, du kan tilbyde en ung, ambitiøs akvarelkunstner?
Akvarel er fuld af uventede overraskelser, hvilket er den iboende skønhed. Imidlertid vil akvarellen undertiden skylle, løbe, blive striber eller kridt på uplanlagte måder og ødelægge arbejdet. Når det sker, skal du ikke sige til dig selv, at du er en dårlig maler. Sig i stedet: "Er det ikke interessant?" Skriv opmærksom på, hvordan den ikke-planlagte effekt skete, for et sted nede på vejen vil du have, at akvarellen skal opføre sig nøjagtigt på den måde.
Mary Whyte er en lærer og kunstner, hvis malerier har vundet international anerkendelse. Hun er bosiddende i Johns Island, South Carolina. Der får hun meget af sin inspiration fra de lokale indbyggere, der er efterkommere af kyst-Carolina-slaver.
Gennem årene har Marias arbejde været præsenteret i mange ekstremt succesrige separatudstillinger. Blandt dem er udstillinger sponsoreret af Butler Institute of American Art, National Arts Club i New York City, Greenville County Museum of Art og Mennello Museum of American Art. Mary har modtaget adskillige priser og medaljer. I 2012 modtog hun den prestigefyldte Elizabeth O'Neill Verner Award, og hun vil blive uddelt 2016 Gold Medal Award af Portrait Society of America.