Tegning er hjertet
Udkast er grundlaget for selvudtryk. At lære at tegne er den langsomste, men sikreste måde at opnå mestring i dit maleri.
Af Juliette Aristides
Tegning er kunstens hjerte og sjæl. Det er dog ofte undervurderet og nogle gange endda frygtet, fordi ellers flittige kunstnere frarådes af det krævede tidsmæssige engagement. I 1960'erne, 1970'erne og 1980'erne i kølvandet på abstrakt ekspressionisme, neo-ekspressionisme og moden for samling og installationskunst, tegner alt, men forsvandt fra læseplanen for de fleste kunstskoler. Tegning syntes unødvendig, næsten forældet. Allerede før dette, allerede i 1924, blev læring at tegne betragtet som sekundært for at lære at male, som det er tydeligt i denne iagttagelse fra Harold Speed:”Tegning, selvom den første (i betydning), er også den sidste ting, som en maler undersøgelser. Der er mere i det (tegning), der kan undervises, og som tilbagebetaler konstant anvendelse af indsats”(fra The Practice and Science of Drawing, genoptrykt af Dover i 1980).
Farve får øjeblikkeligt adgang, ja, men form glæder sindet såvel som øjet. Hvorfor er tegning, uanset hvad emnet, så vigtig? Tænk på et portræt, hvor øjnene er forkert justeret eller på et landskab, hvor perspektivet er skævt. Uanset hvilken følelsesmæssig indvirkning maleriet ellers ville have haft, udslettes af en teknisk fejl. Speed troede, at tegning kunne læres, og jeg som lærer for kunstnere vidner om denne sandhed. Enhver kan lære at tegne, men ligesom at spille klaver, sker det ikke natten over, og det sker ikke uden øvelse. Nogle kunstnere starter med en facilitet, fordi de har tegnet, siden de var børn. På mit atelier ser jeg den slags studerende, og jeg ser den anden art, dem, der mangler færdigheder, men er fast besluttet på at prøve. Den anden gruppe giver store gevinster, mens de i den første gruppe sjældent tager de nødvendige risici for at få succes. De, der har disciplinen til at holde ud, bliver uddannede tegnere, der er i stand til at mestre teknikkerne i ethvert medium.
Den akademiske tradition
Jeg underviser i øjeblikket min egen atelierklasse på Seattle Academy of Fine Arts. Læreplanen, som jeg har udtænkt, er streng i overensstemmelse med den akademiske tradition, der startede i workshops fra renæssancekunstnere og blomstrede i det 18. og 19. århundrede, især i École des Beaux Arts og Académie Julian. Tidligere århundreder forstod, at kunstneren skulle trænes grundigt som tegner, før han gik videre til maleri; ofte var et årti med at studere tegning ikke betragtet som overdreven. Det blev også accepteret, at en kunstners færdigheder måtte skærpes kraftigt, før han eller hun forsøgte at tackle det store emne for den menneskelige form. Først efter at kunstneren havde demonstreret håndværk i malerier af figurer og stillebenarrangementer, kunne han eller hun begynde at udtrykke figurens vitalitet og adel. At male den menneskelige form kræver, at kunstneren ikke kun opnår en lighed, men også foreslår - med dybde, følsomhed og integritet - hvad der ligger ud over udseendet: sjælen.
Dygtighed forbedrer selvudtrykket
Begyndende kunstnere i dag har fået at vide, at dygtighed i sig selv hæmmer selvudtrykket. Tværtimod tror jeg, at det at lære kunstnerens håndværk gør det muligt for dig at udtrykke din egen vision. Traditionelle færdigheder er det fundament, som du, kunstneren, arbejder ud fra. Det er håndværk, ikke manglen på det, der er grundlaget for selvudtryk. Omvendt er det at være kreativ uden viden om håndværk som at forsøge at dekorere en strukturelt usund bygning. Det giver ikke mening.
Jeg betragter min undervisning som en videnskabelig arv, som ellers ville gå tabt. Når jeg underviser forsøger jeg at overføre de oplysninger, en kunstner har brug for, på en måde, der er forståelig. De komplekse opgaver med at tegne og male bliver mere håndterbare, når de opdeles i dele.
Tegning er en forenkling
Der er intet mere vigtigt end at tegne. Processen med at forenkle, designen, falder inden for tegningens domæne. Alt, alle aspekter af kunsten - det vil sige proporsion, værdi og form - men farve falder ind under tegningens domæne. Hvis kunstneren først trænes som tegner, er hun fri til at koncentrere sig om farve snarere end at bekymre sig om at få eller ikke få proportionerne rigtige.
Et af paradokser ved at lære at tegne er, at startfasen kræver, at du ofrer detaljer til fordel for design og gestus, mens slutfasen kræver, at hvert område af kroppen er gengivet, ellers vil arbejdet se generisk og fladt ud. At lære at tegne tager tid; det kræver, at du trækker fra livet hver dag. På mit atelier starter studerende med at fokusere på tegning; mere avancerede studerende går videre til monokromatisk og derefter fuldt kromatisk maleri. Studerende tegner gipsafstøbninger, nøgenmodellen og stilleben-opsætninger; de kopierer også masterværker. Projekterne bliver mere og mere komplekse, efterhånden som deres færdigheder sammen med tillid til disse færdigheder vokser.
Sådan går man fra tegning til maleri
Der er lige så mange måder at starte et maleri på som der er temperamenter. Jeg finder det nyttigt at opdele maleriet i dets forskellige komponenter: komposition, tegning, værdi og farve - generelt arbejdet på i den rækkefølge. Fundamentet er et stærkt design; et stærkt design vil have indflydelse fra hele rummet. Den næste vigtigste komponent er tegning. Mit mål er, at tegningen både skal være præcis og veludviklet. Dernæst arbejder jeg på at forene værdierne, så de mørke områder giver en kontekst for lysene. Til sidst fokuserer jeg på farve - både på den lokale farve og på den måde lyset påvirker den lokale farve.
Arbejde i etaper: en kunstners håndværk
Normalt bruger jeg flere dage på at arbejde med kompositionen. Så tegner jeg direkte på lærredet. Jeg finjusterer tegningen med udvandet permanent indisk blæk (så det næste lag maling ikke vil vaske linjen væk), påført med en fin pensel. Derefter laver jeg en monokromatisk undermaling, der fastlægger værdierne. Til dette bruger jeg ofte rå paraply blandet med terpentin; denne blanding kan helt dække overfladen på lærredet, men blæklinierne vil stadig være synlige under det. Jeg trækker lysene ud med en bomulds klud.
Jeg arbejder altid fra generelt til specifikt. Jeg starter med de bredeste forhold i linje, værdi og farve, før jeg fokuserer på de mindre forhold inden for hvert objekt eller inden for hver del. Ved hjælp af en stor børste blokerer jeg for de overordnede farveforhold. De fleste kanter går tabt; Jeg er bekymret for at knytte objekter.
På dette tidspunkt ser jeg igen på tegningen. Læser den godt på afstand? Er der en underordnet del af maleriet, der får for megen opmærksomhed? Behøver en kant at trække sig tilbage eller gå videre? Ofte laver jeg en liste og konsulterer listen, mens jeg foretager ændringer.
Fokus til sidst på farve
Nu vil jeg fokusere på en del af maleriet ad gangen og bringe hvert område til en færdig tilstand. Jeg prøver at holde skyggeformerne ensartede og enkle; Jeg gør dette ved ikke at tillade for meget af en varians af værdi inden for skyggerne. Derefter koncentrerer jeg min indsats om halvtonerne mellem skyggen og lysets kerne. Hvis jeg fornemmer en farve, lægger jeg den ind - det handler ikke så meget om at se farven, da den fanger et glimt af det ud af hjørnet af mit øje. Jeg stoler på, at det ser rigtigt ud i sammenhængen. I stedet for at bruge en enkelt farve til et helt område, ser jeg efter farveforhold. Farve i naturen er enormt varieret, meget kompleks og forbløffende smuk. Så længe tegningen og værdiområdet er stærk, kan farve være et spørgsmål om mening. Seeren vil tilbageholde dom over, hvad der synes plausibelt til fordel for, hvad kunstneren skaber.
Lys i mørket
Jeg vidste fra starten af, at jeg ville være kunstner. Jeg voksede op i Reading, Pennsylvania, en ret lille by. Mine forældre var emigreret fra Cape Town, Sydafrika, hvor jeg blev født. Min far var læge, og min mor forblev hjemme da jeg var ung. Vi havde mange bøger, især en samling af 50 eller 60 monografier af mestermaler. Min familie rejste også en hel del rejser, så jeg så en masse kunst og faktisk kopierede mange værker. Jeg var en stor fan af Rembrandts.
Da jeg var teenager, indstillede jeg alarmen til kl. 02.00, så jeg kunne være alene og gå i mørket. Jeg havde læst en masse filosofi, og jeg tænkte, at det var vigtigt at kommunisere med naturen, især på det tidspunkt, hvor hele verden syntes i søvn. Det er utroligt, hvor meget jeg kunne se; Derefter lavede jeg en masse tegninger. Når du er i den alder, er livet så nyt, og du er så levende. Det er som om du ser ting for første gang, som om alt er i brand.
Jeg tror, at kunstnere løbende bruger denne ungdommelige intensitet. Da jeg har modnet som kunstner, ser mit arbejde ud til at være mere og mere om åbenbaring. Jeg ser maleri som en oplysningshandling, at arbejde gennem mørket til lyset. Lys er en stor afslører af ting. Jeg havde en lærer, Myron Barnstone, der engang sagde til mig:”Graven er til mørke. Spindelvev er til graven. Når du er i live, skal du fejre lys.”Denne erklæring har genklang for mig. Jeg finder det fascinerende, at der er liv i disse øjeblikke, når du er klar over, at der sker noget vigtigt; at en oplevelse aldrig bliver gengivet; at det vil falme og blive glemt, aldrig for at blive genvundet - medmindre du maler det. At have evnen og have opnået evnen til at male den slags øjeblik, at registrere den slags åbenbaring er sindssygtigt vidunderligt.
Aspekter af håndværk
Tips fra atelieren
1. Tegn fra gipsafstøbninger af antikke statuer.
2. Kopier mastertegninger. Denne praksis giver dig muligheden for at studere, hvordan mestrene omdannede naturen med al dens varians, overflod og detaljer til linje.
3. Tænk som en designer. Den største efterligning er ikke den største kunst. Når du tegner fra livet, skal du kigge efter, hvad det er, du vil sige, og fremhæve den dominerende karakter i modellens position.
4. Arbejd fra det generelle til det specifikke. Det er let at blive overvældet af den kompleksitet, der findes i naturen, og det tager erfaring at begynde at finde ud af, hvad der er relevant ud fra det, der er unødvendigt.
• Squint, mens du ser på dit emne.
• Kig gennem farvet glas eller farvet acetat for at hjælpe dig med at se linjen.
• Før du begynder at male, skal du kondensere al informationen til en lille skitse - f.eks. 3 x 4 tommer. Hvis skitsen læser godt fra hele rummet, er du klar til at begynde at male.
Dette er en artikel med fuld funktion fra The Artist's Magazine (marts 2004). Hvis du nød at læse dette, skal du klikke her for at se flere fantastiske kunstværker og for at læse de andre funktioner fra 2004.