Han ville benægte det offentligt, men Jackson Pollock skyldte Thomas Hart Benton meget af sin rytmiske, energiske stil
af Emily Esfahani Smith
Ved første øjekast fremstiller Thomas Hart Benton (1889–1975) og Jackson Pollock (1912–56) et ulige par. Benton, den sofistikerede søn af en amerikansk kongresmedlem fra Missouri, gik på private skoler og tilbragte sin unge voksen alder iført sorte kapper, mens han studerede kunst i Paris. Pollock, den stakkels søn af en alkoholisk drifter, uddannede sig aldrig fra gymnasiet og arbejdede på en vejlejr, før han tog til New York for at blive kunstner.
Benton blev berømt i 1930'erne for sine malerier af almindeligt amerikansk liv - og han afskedigede engang Pollocks "malingsspildende innovationer" som "absurditeter." ved at sige "han var kommet ansigt til ansigt med Michelangelo og mistet."
Alligevel udvidede venskabets bånd mellem disse to mænd ikke kun deres individuelle liv, men ændrede også forløbet af amerikansk kunst i det 20. århundrede. Uden Thomas Hart Benton ville der ikke være nogen Jackson Pollock.
FREMMERE VEL MET
De to mødtes i 1930, da Pollock, 18, tilmeldte sig Bentons Art Students League-klasse i New York City. Pollock, ikke en naturlig begavet kunstner, kæmpede for at lære teknikkerne fra de gamle mestre, som Benton underviste i.
Alligevel kunne den ældre kunstner lide Pollock og blev en mentor og farsfigur for ham - og Pollock voksede til at idolisere Benton og elske hans familie, især hans fyrige og moderlige kone, Rita, der ofte kogte middag til den fattige unge kunstner. Pollock, syntes det, kunne ikke få nok af dem. Han tilbragte mange sene aftener med Bentons, babysat deres unge søn, TP, og ferierede med dem i Marthas Vineyard.
BENTON'S LAND FOR FAME
Da Benton og Pollock oprindeligt krydsede stier, var Benton næsten ukendt, men han havde lige modtaget sin første store kommission, et vægmaleri til New School for Social Research, der hedder America Today. Flere år før havde Benton taget en 6-måneders tur over Amerika og lavet hundreder af skitser af de mennesker og scener, han havde stødt på - landmænd, strippere, boksere, stålværker, jernbaner og lignende. Disse blev grundlaget for vægmaleriet, der åbnede for offentligheden i 1931. Det lancerede Bentons karriere.
To år senere skrev Pollock til sin far, at Benton”begynder at blive anerkendt som den førende amerikanske maler i dag. Han har løftet kunsten fra det indestoppede studie ind i verden og begivenheder om ham, som har en fælles betydning for masserne.”To år efter dette, i 1934, dukkede Benton op på forsiden af magasinet Time - den første kunstner nogensinde, der havde det Ære.
Benton - der på det tidspunkt havde forladt pretensionerne fra sine Paris-dage og vedtaget personaen af en gruff, hårddrikkende midtvestre - hadede kunstverdenens elitisme og dens voksende smag til abstraktion. Han ønskede at skabe en markant amerikansk kunstform, der trak på den objektive verdens rigdom, og som ville appellere til den almindelige mand og behandle universelle temaer. Men på trods af hans populære succes afviste højtekunstens værger hans arbejde som sentimentalt og tegneseriefigur.
POLLOCK'S FRAKT TIL Storhed
I 1935, på højden af hans berømmelse, forlod Benton New York for at blive chef for malereafdelingen ved Kansas City Art Institute. Da hans mentor var væk, afslørede Pollock sig personligt - han var alkoholiker og voldelig beruset - men han begyndte også at finde sin egen stemme som kunstner.
Han begyndte at eksperimentere med abstraktion og i 1943 gav Peggy Guggenheim, galleri-ejer og mester for amerikansk moderne kunst, Pollock sin første store kommission - det 160 kvadratmeter store modernistiske stykke vægmaleri. Kunstkritikeren Clement Greenberg, der mere end nogen anden i denne periode populariserede Pollocks arbejde, sagde, at da han så Pollocks virvlende, energiske komposition, vidste han, at "Jackson var den største maler, dette land havde produceret." Og Pollock havde ikke engang skabte sit første dryppemaleri endnu. Det ville komme i 1947.
Hans dryppeperiode varede kun tre år, men den gjorde ham verdensberømt, da Life-magasinet fortalte en artikel om ham i 1949 med overskriften: "Er han USAs største levende maler?"
HISTORENS REST
I tiåret, siden Time fejrede Bentons repræsentative malerier af Amerika, var kunstscenen radikalt ændret. Realisme og amerikansk regionalisme havde vundet plads til avantgarden og abstrakt ekspressionisme, en amerikansk kunstskole, der opnåede det, som Benton oprindeligt havde sat sig ud for: Skift tyngdepunktet i kunstverdenen fra Europa til Amerika, mens det skabte en markant amerikansk kunstnerisk formspråk.
På det tidspunkt blev Benton betragtet som en har været og reaktionær; Pollock repræsenterede kunstens fremtid. På det tidspunkt så kritikere og medkunstnere Pollocks omfavnelse af abstrakt kunst som en afvisning af Benton. Pollock selv foreviget denne idé.
Da han blev spurgt om Bentons indflydelse på sit arbejde i 1940'erne, afskedigede Pollock det som "noget imod at reagere" - og sagde, at det eneste, han lærte af Benton, var, hvordan man drikker en femtedel whisky om dagen.
Men historien er mere kompliceret end det. Kunsthistorikeren Henry Adams påpeger, at der var en dyb forbindelse mellem Bentons repræsentationsværk og Pollocks abstraktioner - en forbindelse, som Pollock selv indrømmede privat.
Omkring 1947 fortalte han en ven, kunstner Harry Jackson, at hans hensigt med Vægmaleri var at male et stempel af heste, men han mistede kontrollen over maleriet, fordi han manglede disciplin og dygtighed til at udføre et figurmaleri. "Han blev gal, " huskede Jackson Pollock og sagde, "og begyndte at slynge malingen på lærredet for at skabe den drivende, hvirvlende handling og pressede kompositionen og den heroiske størrelse krævede."
Jackson sagde, at Pollock “beundrede Tom Benton, og han ville være i stand til at gøre, hvad Tom drømte om at gøre, det vil sige for at lave store og heroiske malerier til Amerika. Han var smertelig opmærksom på, at han ikke kunne gøre det, som han ønskede, og han var fast besluttet på at gøre det, som han kunne.”
SPIRALINGINFLUENCE
Benton inspirerede også de underliggende mønstre i Pollocks værker. I sin bog Tom og Jack: De sammenflettede liv fra Thomas Hart Benton og Jackson Pollock påpeger Adams, at selv om Pollock opgav realismen, kom hans designprincipper lige ud af Bentons skissebog.
Da Benton havde været i Paris, var han kommet under indflydelse af en gruppe modernistiske malere kendt som synkromisterne, der forbandt musik med farve. Selvom deres arbejde primært var abstrakt, fandt de inspiration i Michelangelo's skildringer af den menneskelige krop som et spiralisk motiv med muskelspænding.
Et definerende træk ved synkromistisk arbejde er organiseringen af den visuelle form i et lignende rytmisk, muskulært mønster. Benton gav senere afkald på moderne kunst, men han integrerede dette synkromistiske koncept i sine vægmalerier og læresætninger, og dette princip vendte igen sin vej ind i Pollocks malerier.
Benton arrangerede sine kompositioner langs en række lodrette stænger, omkring hvilke genstande ville vride sig og hvirvle - og dette designelement vises i Pollocks vægmaleri til Guggenheim. Det ses måske tydeligst i hans maleri Blue Poles fra 1952. Faktisk, da Blue Poles solgte til National Gallery of Australia i 1973, fortalte Benton til en ven: "Jeg lærte Jack det!"
INSOLUBLE BOND
Selv når Pollock og Benton kritiserede hinanden offentligt, forblev deres venskab varmt og intimt. Indtil han døde, kaldte Pollock ofte Benton og Rita sent om natten - ofte i en beruset, men kærlig tilstand.
Hvad Pollock længtede efter ved disse opkald var Bentons godkendelse af sit arbejde. Men Benton gav det aldrig eksplicit.”Jack,” ville han sige,”det er okay, hvad du end vil gøre. Det er vellykket; du har succes. Gid ikke dig selv om det.”
Det længst, som om Benton ville gå, var at kalde Pollock "en fremragende farveforfatter." Men Benton var stolt over Pollocks resultater. Én gang, mens han sad og drak sammen med sine tidligere studerende, som prøvede at agte ham til at kritisere Pollocks arbejde, holdt Benton på pause og sagde:”Du ved, Jack har aldrig lavet et maleri, der ikke var smukt.”
Emily Esfahani Smith er forfatteren af The Power of Meaning: Finding Fullfuld i en verden besat med lykke. Hendes forfatter er vist i The New Criterion, New York Times, The Atlantic og andre publikationer. Besøg hendes hjemmeside for mere information.
Denne artikel kom først ud i kunstnermagasinet. For at få dækning, instruktion og inspiration, der aldrig slutter, skal du bekræfte dit abonnement nu.